Esta colección comenzó a formarse hace más de 30 años por los organismos que precedieron a AENA en la toma de decisiones sobre inversiones en infraestructuras aeronáuticas. La mayor parte de las pinturas, esculturas, murales y obras gráficas, que componen la Colección corresponden, con algunas importantes excepciones, a la producción artística española e iberoamericana más reciente donde están representadas las más significativas tendencias del arte contemporáneo.

La selección que se muestra en el MACA corresponde a una excelente generación de artistas que representan lo mejor del arte español del último cuarto del siglo XX. Las obras escogidas destacan por su contemporaneidad y su fuerza expresiva y provocan en el espectador un intenso impacto emocional.

Primera exposición de producción propia del MACA, realizada en colaboración con el Centro de Arte Tomás y Valiente, CEART de Fuenlabrada. Esta muestra invita a establecer un juego de paralelismos introduciendo el factor temporal y profundizando en la temática que acentúa sus valores estéticos. Un mismo tema desarrollado en momentos estéticos diferentes de su trayectoria artística dan como resultado sugerentes parejas de obras en las que Tàpies se enfrenta a sí mismo ofreciendo distintas visiones entre el artista de ayer y casi de hoy, siempre con el denominador común de la intensidad, la fuerza. Con el paso del tiempo esa energía, ese vigor en la gestualidad, se hacen más latentes. Su trazo contundente parece acompañado de un brazo y un corazón cada vez más jóvenes. No es necesario hacer una retrospectiva para observar esta realidad pues cualquiera de sus piezas la contiene.

Las piezas elegidas son de una gran diversidad técnica: desde de las características técnicas mixtas a base de materia sobre tela o tabla, collages de objetos o texturas, pintura sobre tela, ensamblajes o grafito sobre papel.

La exposición integra también un ensamblaje sobre tierra chamotada, es decir, una de las famosas piezas cerámicas del artista. La diversidad técnica resulta evidente y, no obstante, la sensación unitaria del conjunto es del mismo modo claramente perceptible. Nuestra visión como espectadores actuará como el montaje en paralelo y saltará de una pintura a otra para encontrar las coincidencias y extraer los nuevos significados que sin duda, surgen más allá de la contemplación aislada de una obra en particular. En conjunto la obra expuesta resulta impactante, no solo por el carácter de su iconografía, (duales, complementarios, contradictorios) sino también por la auténtica lucha que se establece entre la oscuridad y la luz que no obedece de manera exclusiva a la herencia tenebrista o la pintura barroca española. Temas capitales como el amor, y el dolor o la vida y la muerte son los que están más presentes en la obra de Tàpies.

Las obras de esta exposición confrontan al espectador con la presencia física de la pintura. En sus componentes visibles —forma, color y línea— se encuentra toda su capacidad persuasiva. Su materialidad se percibe como un acontecimiento visual que surge del plano pictórico y que actúa como una energía que envuelve al espectador y lo implica emocionalmente. En el siglo xx la pintura se liberó de su función imitativa y representativa del mundo visible y se convirtió en una realidad en sí misma. La abstracción la llevó a emprender un viaje de exploración de la superficie plana del cuadro y de sus propiedades físicas durante el que se despojó de todo aquello que no fuera objetivo.

En ese proceso la pintura adquirió vida propia. Las obras de esta exposición confrontan al espectador con la presencia física de la pintura. En sus componentes visibles —forma, color y línea— se encuentra toda su capacidad persuasiva. Su materialidad se percibe como un acontecimiento visual que surge del plano pictórico y que actúa como una energía que envuelve al espectador y lo implica emocionalmente. La pintura abstracta forma parte de este mundo en constante cambio y su lenguaje visual no posee significados permanentes. Siempre será sensible a diferentes miradas y a su relación con el espectador.

Frente a lo que puede pensarse, la colección de arte contemporáneo del Museo de Bellas Artes de Valencia, -o al menos su núcleo inicial- no fue una acumulación desordenada de donativos o legados, sino una propuesta rigurosa y muy pensada de la dirección del museo a partir de 1967, que pudo llevarse a cabo por una serie de circunstancias afortunadas que permitieron, en una época de absoluta carencia en Valencia de centros estables que expusieran obra de los artistas más significativos, estructurar en una sala del propio museo más que una yuxtaposición de individualidades, un planteamiento objetivo de las tendencias en las que se movían en esos años los artistas valencianos más representativos.

Ello se hizo fundamentalmente para no dejar truncado el rico desarrollo histórico de los fondos del museo, que se había visto interrumpido en la segunda mitad del siglo XX por muy diversos motivos, tanto conceptuales como históricos, políticos o estéticos no tanto achacables al museo como a la propia situación de la sociedad valenciana.

La exposición “Blanco y negro: sujeto, espacio y percepción” es una aproximación a la obra de diversos artistas que, en el ámbito español desde el final de la posguerra hasta nuestros días, se han planteado la creación plástica desde la obra monocromática en blanco o en negro a la construcción de un espacio que se articula en torno a dualidades opuestas o complementarias. En consecuencia, plantear una exposición sobre el color es reflexionar sobre uno de los temas centrales para la creación contemporánea. Entre las sucesivas vicisitudes que atravesó el color durante el siglo XX, observamos cómo, desde la segunda Guerra Mundial hasta nuestros días, el color sufrió un continuo proceso que lo transformó en un material común y banal dentro de la vida cotidiana, que pasaba a ser fabricado en serie y estandarizado por el comercio. En el ámbito artístico sus repercusiones no fueron menores, por ello, cierto número de artistas conformaron una paleta de colores muy alejada de cualquier voluntad espiritual, intencional o significativa que, hasta entonces, la tradición del arte había reclamado.

Esta nueva presentación de la exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, que toma como base la Colección de la Fundación Chirivella Soriano, se estructura en cuatro ámbitos: Preludio sobre el blanco; individuo aislamiento, sociedad; la destrucción y el amor; y por último, Armonio de contrarios.

El 12 de marzo de 1960 se inauguró en el Ateneo Mercantil de Valencia la Primera exposición conjunta de arte normativo español. Esta muestra fue organizada por el Grupo Parpalló, y coordinada por los críticos valencianos Vicente Aguilera Cerni y Antonio Giménez Pericás, y contó con la participación del Equipo 57, el Equipo Córdoba, José Mª Labra y Manuel Calvo. En la exposición se exhibieron obras de todos ellos junto con los miembros del grupo valenciano: Andreu Alfaro, Eusebio Sempere, Isidro Balaguer, Monjalés y el decorador José Martínez Peris. 

La exposición constituyó la culminación de un intenso proceso previo de relación y debate entre los distintos críticos de arte, grupos artísticos y artistas que habían tomado partido por la abstracción geométrica en abierta oposición al informalismo. El arte normativo o normativismo fue la etiqueta autóctona propuesta, en la España de finales de la década de los cincuenta, con la intención de crear un amplio movimiento representativo, e inédito en nuestro país, de un arte abstracto geométrico heredero del neoplasticismo, el constructivismo y la Bauhaus. 

La muestra sobre Arte normativo está compuesta por más de 50 obras entre esculturas, pinturas y fotografías y conmemora el 50 aniversario de la primera exposición de Arte Normativo español que tuvo lugar en Valencia el 12 de marzo de 1960. La exposición, muestra 12 esculturas, 5 fotografías, 5 relieves luminosos, 2 tablas, además de otros elementos expositivos como el cartel de la exposición de 1960 y una película de Equipo 57.