Luis Pérez Mínguez fotógrafo y amigo de Eusebio Sempere que retrató una época y con el que el museo ha mantenido una estrecha relación. Fruto de ella son estas fotografías de Sempere en el programa Trazos en 1977, que nos llegaron en un sobre muy personal de Luis Pérez Mínguez.

Televisión Española comenzó a emitir en abril de 1977 el programa Trazos donde Paloma Chamorro ejercía de directora adjunta con Ramón G. Redondo, para pasar posteriormente a la dirección del mismo, hasta junio de 1978 en que finalizó la emisión del programa. Fue un programa de actualidad artística. Trazos comenzó emitiéndose en blanco y negro porque sus directores consideraban que así no se distorsionaba el color de los cuadros. Sin embargo, por imperativo de la dirección de la cadena estatal y pública, el programa comenzó a emitirse en color a partir de noviembre de 1977 lo que obligó a la realización de un decorado. Para ello, y muy ingeniosamente Paloma Chamorro, invitó a once pintores, cada uno de los cuales realizó un panel de aproximadamente 250 x 180 centímetros. José Manuel Broto, Gerardo Delgado, Carlos Franco, Luis Gordillo, José Guerrero, Guillermo Pérez Villalta, Manolo Quejido, Gerardo Rueda, Eusebio Sempere, Gonzalo Tena y Jorge Teixidor pintaron en directo bajo la atenta cámara del fotógrafo de toda una época.

Pablo Picasso recorre casi un siglo de arte y a su lado, una serie imprescindible de artistas transforman radicalmente la historia del arte mientras desdibujan las fronteras entre la figuración y la abstracción. Muchos de ellos están aquí representados.

La Colección Arte Siglo XX guarda entre sus fondos una gran cantidad de obras sobre papel entre dibujos, grabados, litografías y serigrafías que completan una extensa nómina de artistas imprescindibles, recorriendo los territorios más sugerentes del entramado artístico del siglo pasado. 
Y es así porque Eusebio Sempere y su compañero Abel Martín, después de experimentar en París variadas técnicas de impresión, introducen en España la serigrafía artística realizando bellísimas estampaciones de sus propias obras y de sus amigos artistas. Y están profundamente convencidos de que la obra gráfica merece el status de «original» y de que sitúa el arte contemporáneo al alcance de una mayoría de público, democratizándolo.

Con esa convicción estética y política, Sempere admiró siempre la figura de Pablo Picasso. Adquirió el grabado de Picasso perteneciente a la Suite Vollard, Fernando Zóbel le regaló el Retrato de Rimbaud y compró El Entierro del Conde de Orgaz, obras que aquí se muestran. De la misma manera que participó en el Homenaje a Picasso que tuvo lugar en la celebración del 90 cumpleaños del artista en noviembre de 1971, sufriendo por ello detención, encarcelamiento y una cuantiosa multa económica. 

El Museo de Arte Contemporáneo de Alicante presenta en esta exposición dos obras de Eulàlia Valldosera: La Caída. Salir de las llamas para caer en las brasas de 1996 y Lazos familiares de 2012. 

La Caída es una obra fundamental en la trayectoria de la artista, una instalación compleja y enigmática que habla de un accidente emocional, una bajada a los infiernos, la imposibilidad de salir de una situación aun intentando comportamientos distintos. El cuestionamiento mismo de una pareja en su entorno doméstico, una historia carente de narración que se despliega en el espacio donde el espectador se encuentra atrapado como testigo y artífice del problema. 

Lazos familiares es una serie de fotografías de la intimidad y pone en evidencia las relaciones sentimentales visibles y ocultas que los miembros de cada familia sufren, gozan o padecen. Implicaciones complejas e inevitables que redefinen el modelo mismo de familia en continua transformación. Amor, protección o cuidado mutuo se tiñe de odio, ausencia, celos o abuso en un laberinto emocional muy fragmentado.

En ambas obras, el drama está a la vista. Recuperado. Los hechos no se relatan, sino que se representan. Por medio de la realidad y de su sombra, de la proyección de la luz y del movimiento. Con una mirada propia, Valldosera recrea escenas dramatizadas que reflejan simultáneamente la presencia y la ausencia, la memoria y el deseo, donde la sombra evoca una búsqueda interior que remite al mundo del subconsciente, no solo como espectro de un pasado no resuelto, sino también como una forma auténtica de la realidad. 

Juana Concepción Francés de la Campa (Alicante, 1924 - Madrid, 1990) es una de las artistas más contundentes del panorama artístico español de la segunda mitad del siglo XX, pionera del informalismo abstracto y única mujer del emblemático Grupo El Paso. Expuso en eventos artísticos internacionales tan importantes como las tres Bienales Hispanoamericanas, la Bienal de Venecia, hasta en cinco ediciones, o la de São Paulo. Expuso en colectivas junto a compañeros de generación en el Museo Guggenheim de Nueva York o en la Tate Gallery de Londres y en destacadas muestras individuales en instituciones de España, Francia o Portugal, entre otros lugares. Fue reconocida por la crítica desde su etapa inicial figurativa hasta el final de su trayectoria, pero ha sido olvidada por la historiografía del arte. En los últimos años su figura se ha reivindicado con fuerza, afirmando su calidad y pertinencia y en el MACA hemos profundizado en sendas exposiciones sobre sus pinturas abstractas. 
 

Ahora proponemos revisar los orígenes de su pintura: los años de formación, su etapa figurativa más simbolista y su transición personal antes de lanzarse a la aventura generacional del arte abstracto. Es la etapa menos conocida: pinturas donde la figuración de influencia italianizante se mueve entre el simbolismo contenido y el surrealismo de raíz metafísica con figuras rotundas y voluminosas de corte geométrico. Entre los temas que presenta hay maternidades, retratos de niños y mujeres, familias y enigmáticos bodegones así como escenas alegóricas que presentan un aire de misticismo intrigante y que encierran una espiritualidad que veremos aflorar en etapas posteriores. A nivel técnico, Francés trabaja de forma innovadora para conseguir determinadas texturas y empastes con la técnica de la encáustica donde mezcla cera, resina y disolvente sobre un soporte rígido, superponiendo distintas capas de pintura para “herirlas” después con un clavo. Una voluntad experimental que permanecerá intacta a lo largo de toda su trayectoria, marcando su fuerte personalidad plástica. 
 

Juana Francés es la más destacada de un grupo de mujeres artistas que comenzó a exponer en los años 50 del pasado siglo y cuya obstinación profesional desafió a la sociedad de su tiempo: un sistema excluyente, que relegaba a la mujer a la esfera doméstica o a papeles decorativos en la cultura. Frente a un entorno hostil, normativo y rígido creado por la ideología social del franquismo, Juana Francés logró estar atenta a las preocupaciones plásticas y formar parte activa de una generación de artistas que revolucionaron el arte de su tiempo. Su trayectoria permite hoy repensar el papel de las mujeres en la historia del arte, así como la compleja relación entre modernidad estética y compromiso social.
 

La exposición se centra en la idea de la mujer y de su cuerpo en interrelación con el tiempo y con el espacio. Un cuerpo, el de la propia artista, desde el cual produce acciones y trabajos creativos. Y, desde el que, recorre y mide el espacio y así mismo, siendo, a su vez, atravesado por el tiempo, mostrando incluso la vejez de una mujer, confrontado a la idea y promoción de la eterna juventud femenina fomentada por el sistema patriarcal.
 

Y ese cuerpo, también es trasladado a la fotografía, a las instalaciones, los dibujos e incluso al video, a través de los autorretratos de su rostro y de fragmentos corporales, en actitudes performativas. Además, un accionar del cuerpo, mostrado a través de una serie de imágenes y audiovisuales que, como documentación de una selección de performances, se ofrecen como medios narrativos visuales y sonoros, junto a “las partituras” o guiones que ella construye para seguir en la ejecución de sus performances.
 

En definitiva, todo un recorrido expositivo multi e interdisciplinar performativo expandido desde la acción a las obras plásticas y a la inversa, su incitación a la realización de acciones por parte del público o su mera evocación, o bien las piezas visuales como huellas o restos de performances. A la vez que nos muestra su propio cuerpo accionado en el tiempo y en el espacio, visto y leído como significado de capas simbólicas y representaciones deconstructoras de la mirada patriarcal sobre el cuerpo femenino. Y, todo ello, bañado con un cierto sentido del humor ácido, la conjugación del absurdo y los encuentros azarosos con los objetos, las palabras y los signos.
 

El MACA - Museo de Arte Contemporáneo de Alicante ha invitado en esta ocasión a la obra del Equipo Crónica titulada Las Meninas en el Chalet de 1969 perteneciente a la Fundación Chirivella Soriano de Valencia que podrá disfrutarse desde el día 1 de febrero hasta el 28 de abril de 2013. Esta espléndida obra de la Fundación Chirivella Soriano Las Meninas en el Chalet de 1969 encaja perfectamente junto a la obra del Equipo Crónica perteneciente a la Colección Arte Siglo XX titulada Autorretrato en Palacio pintada solo un año después, en 1970.

Una reflexión sobre el tema de la pintura clásica que sirve para situar a los personajes de Velázquez- en el caso de Las Meninas en el Chalet-, a la infanta Margarita de Austria, a la dama de honor de la infanta Isabel de Velasco, a la enana Mari Bárbola, al aposentador real José Nieto y al perro, en un chalet de los 50-60, momento en el que surge el fenómeno turístico y se pone de moda el chalet para veranear. El espacio exterior de esta representación corresponde a un anuncio publicitario de la tienda valenciana «Hogar completo»-especializada en sillones, mecedoras y tumbonas plegables de verano.

Autorretrato en Palacio sitúa la escena en el espacio original del cuadro de Las Meninas conservando los personajes del aposentador real José Nieto y al Perro condecorado con la cruz de Santiago, pero en este caso distorsionado, hasta ocupar un gigantesco volumen. Los dos artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes, se autorretratan en primer término como en la obra original se colocan los personajes principales de Las Meninas. El cuadro no está terminado, ya que aparece una zona en blanco, vacía y mil goterones de pintura y ellos aparecen caracterizados como dos pintores de brocha gorda que en un descanso de su trabajo, se paran a mirarnos porque nosotros nos hemos situado en la escena y nos invitan a reflexionar sobre la obra que están llevando a cabo.

La colaboración entre instituciones como el MACA y la Fundación Chirivella Soriano, en este caso coordinadas a través del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante ha permitido la llegada de esta obra del Equipo Crónica. Un programa de exposiciones que tendrá continuidad a lo largo del año.

Equipo Crónica. (1964-1981)

Formado por los artistas Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo (aunque este pronto se desligó del grupo) el grupo reaccionó contra la corriente informalista dominante en el panorama artístico español del momento. Su trabajo colectivo se desarrolló durante los últimos diez años del franquismo y la transición democrática, hasta 1981.

Equipo Crónica realiza una obra decididamente figurativa muy próxima a la estética del pop art. Aprovechando recursos procedentes de la crónica periodística, el lenguaje de los mass media, el cómic, la publicidad o la propia historia del arte, su pintura analiza críticamente la situación social y política de España y lanza una mirada irónica sobre los mitos ubicando situaciones y personajes bien conocidos en contextos diferentes contribuyendo así a la desmitificación de las imágenes y cuestionando la propia función del arte.

El MACA - Museo de Arte Contemporáneo de Alicante ha invitado en esta ocasión a la obra del Equipo Crónica titulada Las Meninas en el Chalet de 1969 perteneciente a la Fundación Chirivella Soriano de Valencia que podrá disfrutarse desde el día 1 de febrero hasta el 28 de abril de 2013.

La colaboración entre instituciones como el MACA y la Fundación Chirivella Soriano, en este caso coordinadas a través del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante ha permitido la llegada de esta obra del Equipo Crónica. Un programa de exposiciones que tendrá continuidad a lo largo del año.

Esta es la cuarta exposición dentro de “Contexto Vanguardia” que busca mantener un diálogo permanente entre las obras de la colección del IVAM pertenecientes a las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX y las obras de la Colección Arte Siglo XX del MACA, de forma que se establezcan lecturas complementarias, apoyo y contexto para algunas piezas que, en comunicación con otras, fortalecen su lenguaje, permitiendo así que el visitante pueda disfrutar de artistas no representados en el MACA al tiempo que se completa la visión de las vanguardias. El objetivo es crear contenido y compartir conocimiento. «Abstraction ou Nature Morte», «Abstraction» (1933) y «Abstraction en longitude» (1926-1928) son los tres óleos sobre lienzo del artista Luis Fernández que se muestran junto a obras de Julio González, Pablo Gargallo y Juan Gris, entre otros. Luis Fernández (Oviedo, España, 1900- París, Francia, 1973) fue uno de los artistas españoles de la llamada Escuela de París. Llegó allí en 1924 y entabló amistad con Picasso y Julio González, así como con la abstracción geométrica que le haría integrarse en el movimiento Abstraction-Création. Pintor preocupado por el oficio y el concepto artesanal de la obra formuló su pensamiento en diversos textos escritos en los años 30, su época más analítica y experimental. Reflexionó acerca del color y su función en la pintura, sobre la composición, el formato y el sentido profundo de la abstracción que para él poseía resonancias metafísicas y simbólicas. Su pintura -decía- era una “representación inconsciente del orden que el hombre constata en el universo”.

Gracias a una temprana vocación pictórica, Sempere inició en 1941 su etapa de formación en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, ciudad donde se traslada su familia después de la guerra civil, tras haber perdido su fábrica de juguetes de Onil. 
 

Sempere había terminado meses antes sus estudios de bachillerato y asistido a clases nocturnas en la Escuela de Artes y Oficios lo que le había dado algunos conocimientos y práctica en el dibujo. Sus seis años de formación académica fueron anodinos y frustrantes. La educación artística en España durante aquellos años de posguerra era deprimente, a los malos profesores mediocres como artistas, autoritarios y despóticos en sus clases, se unía un extremo conservadurismo en los contenidos y continuas referencias “sorollistas” como único ejemplo válido a seguir, tal y como recuerda el artista una y otra vez. 
 

En la Escuela conoció al padre Alfons Roig, profesor de la asignatura Liturgia y cultura cristiana, que hablaba de Kandinsky a los alumnos de San Carlos y era acaso, el único conocedor y entusiasta defensor de la modernidad y las corrientes vanguardistas. Eusebio acaba sus estudios en 1946 pero permanece en San Carlos hasta 1948 con objeto de cursar la especialidad de grabado calcográfico con el profesor Ernesto Furió, otro de los pocos profesores que consiguió ganarse el respeto de sus alumnos. Sempere aprendió la técnica del aguafuerte y la punta seca y sus grabados muestran un excepcional dominio del grafismo, trabajando la textura y el volumen y equilibrando con soltura la luz y la oscuridad. 
 

Sempere estudió modelado, dibujo, anatomía, perspectiva cómica y procedimientos pictóricos, adquiriendo una sólida formación en el oficio artístico que se demuestra en las obras conservadas de aquellos años de formación. A finales de 1948, el SEU (Sindicato de Estudiantes Universitarios) le concede una beca para ampliar estudios en París. Allí se convertirá en artista-

Alborada de Pablo Palazuelo vino a compartir el espacio junto a los constructivistas de la Colección Arte Siglo XX y estableció diálogo junto a la obra de Palazuelo que se guarda en la Colección, Sub-rosa XII.

En la pintura de Palazuelo se observa un intento, a veces inalcanzable, de representar la lógica del azar. Esto —esta voluntad estructural, arquitectónica, científica, falsamente impersonal— hace que sus cuadros aparezcan como auténticos manifiestos acerca de cómo se materializa el lenguaje abstracto. Así, la alborada a la que se refiere el título, una composición musical que celebra el amanecer une dos aspectos significativos en la obra del artista: la luz, entendida como una sucesión de planos cromáticos, una variación óptica, y la idea de seriación, representada mediante unas formas que configuran una especie de secuencia rítmica, un movimiento que vibra y se desplaza horizontalmente a través de la superficie del cuadro.

Elena Asins (Madrid, 1940 - Azpíroz, Navarra, 2015) es una de las artistas más radicales y rigurosas del panorama artístico español. Renovadora del lenguaje plástico, Asins reúne la tradición constructiva de la vanguardia del siglo XX con la computación y la teoría de la información, siendo considerada una de las pioneras del arte asistido por ordenador en España. Una artista genial, provocativa en silencio, que construye desde la estructura, desde la norma y la lógica matemática, una obra que se genera a sí misma para volverse, a veces, casi invisible.

A través, fundamentalmente, de las obras legadas por la artista al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, esta exposición propone un recorrido por las investigaciones persistentes llevadas a cabo por la artista y sus resultados plásticos: una obra final de aparente sencillez en sus cálculos, pero hermética lingüísticamente. Fiel a sí misma y fruto de su renuncia a color, las obras de Elena Asins se leen primero a través de la palabra y después, de la estructura y la línea. Sin olvidar nunca el tempo: una música interna que recorre toda su producción artística secuenciándola. Asins ha recurrido en sus trabajos a un amplio abanico de formatos y medios desde la poesía concreta al vídeo, pasando por el dibujo, la escultura o la instalación, caracterizados siempre por el rigor compositivo y la depuración formal.

Ligada a algunos de los proyectos más renovadores de la historia reciente del arte español, como la Cooperativa de Producción Artística y Artesana o el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, ponemos de manifiesto el encuentro allí con Eusebio Sempere y Abel Martín, su amistad y la coincidiencia de sus investigaciones. Y mostraremos por primera vez una obra fundamental de Elena Asins: los Cantos de Orfeo, una serie de poemas visuales fechados en 1970 y conservados por Eusebio Sempere que se han convertido en una de las piezas más importantes de la historia de la poesía experimental española.