Esta exposición muestra una selección de obras de la Colección Fundación Mediterráneo que está depositada en este Museo de Arte Contemporáneo de Alicante gracias al convenio suscrito entre el Ayuntamiento de Alicante y la Fundación Mediterráneo.

La Colección Fundación Mediterráneo está compuesta por 212 piezas y recorre la obra de 125 artistas, los nombres más imprescindibles del panorama artístico español contemporáneo. Abarca un arco cronológico que recorre desde la transición democrática hasta nuestros días: un periodo artístico en España que corresponde a los últimos 40 años, tan generoso, cargado de ilusión, de energía, de desencanto, de derroche y de ingenuidad… pero también de reflexión, de denuncia, de compromiso, de aventura… Un periodo en el que conviven varias generaciones de artistas de forma normalizada como nunca antes había ocurrido, enriqueciéndose mutuamente, aprendiendo los más jóvenes de los indiscutibles maestros, y redescubriéndose en los más jóvenes la persistencia de lo imprescindible.

Con el tiempo 3… quiere reflexionar sobre la contemporaneidad de las obras mostradas, más allá de las referencias históricas ya conocidas en la Colección Arte Siglo XX y lo por venir. Referencias que entroncan con el gesto y la materia donde la obra es el proceso en una búsqueda continua de la pintura más pura, la que se representa a sí misma. Pero también con una generación de artistas que van a revisar profundamente la realidad para tratar la figuración desde mil puntos de vista. O con los más esenciales, aquellos que tratan directamente con lo sublime en un despojarse de todo para encontrar la espiritualidad, el hálito escondido de la belleza.

Todo paisaje es ficción 2, es una propuesta de profundización en el tema del paisaje. Si esta primera selección ha tenido el mundo natural como referencia del paisaje, esta segunda edición quiere mostrar a través de una sola pieza y de un solo artista, Miquel Navarro, el mundo de lo urbano como construcción del paisaje contemporáneo.

Se trata de una de las ciudades más significativas del artista valenciano por la dimensión y presencia que adquiere este Espacio de batalla. Se presentó por primera vez en 2002 en la galería Marlborough de Nueva York con gran éxito de crítica y público. Era la primera exposición individual del artista en la capital neoyorkina y en ella quería rendir homenaje a la ciudad tras el brutal atentado de las Torres Gemelas del 11 de septiembre. El centro de la exhibición era esta instalación, Espacio de Batalla, compuesta por una serie de esculturas de aluminio y cinc de formas y tamaños que asemejan una fantástica ciudad en miniatura, mitad urbe, mitad cementerio. Navarro nos propone percibir la ciudad desde lo alto, a modo de travelín, en una escala que convierte al hombre en gigante.

La instalación, de quince metros de largo, siete de ancho, y dos de altura, está compuesta por varias series de figuras geométricas de pequeñas dimensiones, organizadas en forma de bloques de casas, que también podrían ser las lápidas pulidas y ordenadas en serie de un cementerio. Y se completa con algunos elementos de gran tamaño que semejan los rascacielos neoyorkinos. Un total aproximado de 2.500 piezas que, en rigurosa disposición, se extienden conformando pura creación poética entre arqueología y modernidad, una metáfora de la civilización destruida.

Esta exposición muestra una selección de obras de la Colección Fundación Mediterráneo que está depositada en este Museo de Arte Contemporáneo de Alicante gracias al convenio suscrito entre el Ayuntamiento de Alicante y la Fundación Mediterráneo.

La Colección Fundación Mediterráneo está compuesta por 212 piezas y recorre la obra de 125 artistas, los nombres más imprescindibles del panorama artístico español contemporáneo. Abarca un arco cronológico que recorre desde la transición democrática hasta nuestros días: un periodo artístico en España que corresponde a los últimos 40 años, tan generoso, cargado de ilusión, de energía, de desencanto, de derroche y de ingenuidad… pero también de reflexión, de denuncia, de compromiso, de aventura… Un periodo en el que conviven varias generaciones de artistas de forma normalizada como nunca antes había ocurrido, enriqueciéndose mutuamente, aprendiendo los más jóvenes de los indiscutibles maestros, y redescubriéndose en los más jóvenes la persistencia de lo imprescindible.

La representación del paisaje en la pintura constituye un género clásico que tiene su origen en la Holanda burguesa del siglo XVII gozando inmediatamente de éxito. Naturalezas educadas o dominadas por el hombre, marinas, panorámicas vedutas del settecento, paisajes sublimes del romanticismo, atormentados, soñados, existentes o reales… El paisaje ha sido una forma de manifestar la posición del hombre en el mundo. Se trata de un género tan imbricado en la tradición clásica que se revela como uno de los campos de investigación más fértiles y productivos del arte contemporáneo.
El paisaje no es la naturaleza o el lugar que se observa sino lo que se construye a partir de estos, una construcción cultural para la que es necesaria la interpretación. El paisaje se construye en el mismo momento que se observa. Solo existe a través de la mirada y el pensamiento. Y hay que observar tanto lo visible como lo invisible.

Además, lejos de aquella dicotomía antigua entre naturaleza y ciudad, hoy el territorio es híbrido, discontinuamente urbanizado, transformado por el hombre que adopta así una posición ante la naturaleza. Espacios intermedios, descampados, demolidos, reconstruidos, inertes, en los que es difícil escuchar el silencio. El debate teórico se ha cargado con nuevos significados, se ha subvertido. El enriquecimiento semántico del género se percibe en el interés de todos los artistas y todas las técnicas.

Todo Paisaje es ficción reúne una serie de obras que tienen en común reflexionar en torno al paisaje y su representación contemporánea. Una amplia selección de artistas que desde diferentes ópticas y a través de diversas técnicas han otorgado al paisaje un papel protagonista en sus obras. Pinturas, esculturas, dibujos, fotografías, instalaciones y vídeos conforman esta muestra en tanto que interpretamos de forma subjetiva el paisaje, mientras generamos conciencia social, preocupación por la intervención del hombre, descubrimos el pasado, hablamos del tiempo vivido, de las personas que habitaron, de la memoria del lugar… Todo ello mientras añoramos el paraíso perdido,

El conjunto de obras que integran la Colección CIRCA XX fue adquirido por el Gobierno de Aragón a su propietaria Pilar Citoler a finales del año 2013, mediante una fórmula mixta que incluía compra y donación. Desde entonces se asignó como parte del fondo estable de la colección del IAACC Pablo Serrano de Zaragoza para su custodia y exhibición. Un conjunto de 1200 obras que incluye pinturas, dibujos, obra gráfica, fotografía, escultura, instalaciones y vídeo, convertida en una de las colecciones de referencia en el panorama nacional e internacional. 

Esta selección de obras lleva por título Heterotopías, un neologismo acuñado en 1967 por el filósofo francés Michel Foucault, que construyó a partir de los vocablos griegos “heteros” (diferente) y “topos” (lugar), como denuncia del interés de la historia solo por el tiempo. El concepto de Heterotopía reivindica el mundo contemporáneo por excelencia, una época donde el espacio es heterogéneo, simultáneo, yuxtapuesto donde convive lo próximo y lo lejano, lo uno al lado de lo otro y lo disperso; donde encontramos esos “lugares otros” en los que los elementos repartidos a través del tiempo conforman un conjunto de relaciones, un mapa de redes y sinergias, un entrecruzamiento fatal del tiempo con el espacio. 

A través de conexiones transgeneracionales proponemos una lectura sin cronología. Solo para mirar. Artistas primeros vinculados con las vanguardias artísticas que buscan la esencia de las formas desterrando lo superfluo y retrocediendo lo andado hasta llegar al origen, al fundamento de las formas para ser testigos de las conjugaciones de lo negro y de las disipaciones de la transparencia. Otros artistas experimentan con el color y la geometría: la lógica formal y la tradición constructiva se conjuga con la computación y las nuevas tecnologías proponiendo juegos visuales, efectos ópticos concretos, dinámicos, tan virtuales como perceptibles sometidos a un ritmo frenético establecido por la repetición y la interacción de los colores. Y transformando la percepción, poniendo el énfasis tanto en aquello que se ve como en lo que se sugiere, artistas últimos anuncian entornos fríos y distantes sometidos al hecho mismo de ver o no ver, deslumbrados por el color o por su ausencia, atravesados por una luz cegadora cercana a la invisibilidad que construye un estado mental en permanente desenfoque, una atmósfera artificial que plasma la abstracción de la realidad. Las Heterotopías construidas a tiempo y espacio real son los lugares donde se cumplen las utopías. 

El MACA presenta la segunda exposición dentro del programa "Contexto vanguardias" con dos obras de Kurt Schwitters. Con este programa se trata de mantener un diálogo permanente entre las obras de la colección del IVAM pertenecientes a las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX y las obras de la Colección Arte Siglo XX, de forma que se establezcan lecturas complementarias, miradas transversales, apoyo y contexto para algunas piezas que, en comunicación con otras, fortalecen su lenguaje y mensaje y completar la visión de una época fundamental de la modernidad que transita por caminos entre la tradición y lo nuevo. Hacerlo en el MACA, en Alicante, junto a las mismas obras de la Colección Arte Siglo XX permitirá que el visitante pueda disfrutar de obras nunca vistas en la ciudad y son referentes de la historia del arte que forman parte de los excelentes fondos de la institución que diriges.

Esta segunda exposición está formada por un conjunto de dos obras de Kurt Schwitters, uno de los artistas más radicales del panorama artístico del siglo XX, siendo la continuación de la anterior “Contexto Vanguardias” y que convivirán en la primera sala del museo junto a sus contemporáneos Julio González, Pablo Gargallo o Juan Gris.

El artista

El artista alemán Kurt Schwitters (Hannover, 1887 – Ambleside, Reino Unido, 1948) fue uno de los principales y más influyentes protagonistas del movimiento dadá. En 1919 construyó sus primeros collages y assemblages con materiales de desecho, que denominaría Merz convirtiéndolos en símbolo de un mundo en ruinas. Realiza un arte multidisciplinar, libre de las convenciones artísticas tradicionales y Merz daría nombre a sus poemas, su revista, su teatro y sus collages o construcciones escultóricas.

Abandonó sus estudios de arquitectura en su ciudad natal para trasladarse a Dresde, donde visitó la Kunstakademie con el propósito de convertirse en pintor. Tras unos comienzos ligados al impresionismo y algo más tarde al expresionismo, en 1918 expuso sus primeras obras de estilo cubo-futurista en la galería Der Sturm de Berlín. Un año más tarde construyó sus primeros collages y assemblages con materiales de desecho, que denominaría Merz, nombre derivado de la mutilación fortuita de la palabra Kommerz, que había utilizado en uno de sus collages. Merz se convertiría en sinónimo del nuevo arte multidisciplinar que realizaría a partir de entonces, libre de las convenciones artísticas tradicionales y que daría nombre a sus poemas, su revista, su teatro y sus construcciones esculto-arquitectónicas (Merzbau). Él mismo definiría este proceso artístico como consecuencia del momento histórico en que le había tocado vivir: «La Gran Guerra ha terminado, en cierto modo el mundo está en ruinas, así pues, recojo sus fragmentos, construyo una nueva realidad».

Su obra fue prohibida por las autoridades nazis a su llegada al poder en 1933 e incluida en las listas de "arte degenerado". Al saber que era buscado por la Gestapo se exilió a Noruega en enero de 1937, dejando en Alemania a su esposa Helma. Tras la invasión nazi del país nórdico huyó en barco a Edinburgo. En el Reino Unido le consideraron como un enemigo extranjero y pasó por varios campos de internamiento, recalando finalmente en el Campo Hutchison de la Isla de Man. Una vez liberado, pasó por Londres y, finalizada la guerra, se trasladó al Distrito de los Lagos en el norte de Inglaterra. En octubre de 1946 se rompió una pierna tras una caída de la que nunca se recuperaría. Falleció en Kendal el 8 de enero de 1948; dos días después se le informaba por carta de que le había sido concedida la ciudadanía británica.

Espacios de resistencia reúne una serie de obras que tienen en común buscar espectadores críticos. Cuestionando la realidad social y política, la sociedad de consumo, los medios de comunicación, la publicidad, la ciudad, el espacio público y la presencia del poder y sus mecanismos de inclusión y exclusión social, estos artistas plantean obras incómodas, ácidas, provocativas… Una propuesta transversal donde el proceso de creación artística se convierte en la propia obra o que construye y deconstruye una realidad fragmentaria. 

A través de nuevos formatos, lenguajes, soportes y técnicas contemporáneas, video, fotografía, instalación, programas informáticos o incluso a través de la vieja pintura, las obras mostradas reclaman siempre un espectador activo y comprometido. Herederas de las prácticas conceptuales desarrolladas en España, especialmente en Cataluña y Andalucía en los años 60 y 70 y con una fuerte carga lingüística, estas obras dibujan un paisaje de transgresión de los comportamientos artísticos que llega a desmaterializar el arte o a construirlo con archivos, documentos, fragmentos de imágenes, objetos cotidianos, materiales pobres como el polvo o las colillas, cachivaches extraños que adquieren otros significados.

El arte funciona así como resistencia. Los artistas contemplan su proceso creativo solo desde la trascendencia social, desde el enfrentamiento al poder, pero también desde la paradoja, el humor o la ironía. El arte como denuncia pero también como forma de cambiar el mundo.La práctica artística se convierte en la única arma de supervivencia. 

Paloma Navares es una pionera en el arte creado por mujeres. Su obra, clasificada por etapas y series, responde a diversos procesos de investigación en los que indaga las temáticas sociales, profundiza en el mundo de la mujer, sus ritos, costumbres y tradiciones. Su lenguaje plástico está construido desde la idea de hibridez y sustentado, desde sus inicios, en la práctica interdisciplinar, el ensamblaje de técnicas y soportes, y la utilización de materiales industriales. Fotografía, vídeo, sonido y luz se unifican en sus instalaciones, esculturas, objetos o collages.

Las obras depositadas se exponen en el MACA son la instalación En el umbral del sueño, 1992-93 y Eva, una escultura de fotografía y luz.

Son obras en las que la artista trabaja con fotografía, vídeo, sonido, electricidad, materiales industriales como plásticos, integrando la obra con el espacio y la luz. En el montaje se presentan imágenes fraccionadas, adaptadas a soportes cilíndricos y planos transparentes, unidos todos ellos a la energía.

Las dos obras pertenecen a una serie titulada Fragmentos del Jardín de la memoria donde la artista integra la fotografía, la electricidad y materiales industriales como el plástico, con el vídeo y grabaciones de sonido, creando y elaborando escenarios, puestas en escena que provocan emociones llenas de fuerza al combinar los efectos de luz y de sombra con interacciones espaciales y resonancias iconográficas. No en vano, Paloma Navares utiliza las imágenes de la pintura clásica para deconstruir el mito estereotipado de la mujer.

El MACA presenta su decimoquinta obra dentro del programa de La Pieza invitada. Se trata de "Escultura telemagnética", de 1960 en acero cromado, imán, agujas e hilo de nylon del escultor griego Panayoitis Vassilakis, conocido como TAKIS y procedente de la colección particular del artista Josep Pedrós i Ginestar quien fue ayudante personal de Takis en París.

Takis es uno de los artistas más interesantes y desconocidos de la vanguardia cinética afincada en el París de mediados de siglo XX. Su obra, innovadora y dinámica, pone en relación el arte y la ciencia, explorando la relación entre los objetos ordinarios y las energías que los mueven y controlan, como los campos magnéticos, la gravedad, la luz y el sonido. Imanes que mantienen agujas en suspensión mientras trabajan con las fuerzas invisibles de la naturaleza para hacer visible un mundo invisible que, en palabras de Takis, es sencillamente pensamiento puro.

El artista:
Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes de algunos de los museos más importantes del mundo, como el Centro George Pompidou de Arte Contemporáneo de París, el MOMA y el Museo Guggenheim de Nueva York, la Colección De Menil de Houston, la Tate Modern de Londres y la Colección Peggy Guggenheim de Venecia.

En 1986, el artista regresó a Grecia donde estableció el Centro de Investigación para las Artes y las Ciencias -conocido como la Fundación Takis en la colina de Gerovouno en Atenas. La Fundación fue inaugurada oficialmente en 1993, con el objetivo de promover el conocimiento y la apreciación de las artes visuales al público en general, así como proporcionar servicios y apoyar los programas de educación artística.

El programa de la Pieza invitada:
Con este programa de exposiciones La pieza invitada, el MACA pretende acercar al público obras temporalmente cedidas por otras instituciones y que en el Museo adquieren un nuevo significado, al ser presentadas como una exposición de una sola obra en relación con el contexto de la colección permanente. La Colección Arte Siglo XX permite por la extensa nómina de artistas, la variedad de obras históricas y los numerosos momentos estéticos que se hallan representados, un programa enriquecedor de invitaciones. Obras concretas que, en diálogo, discusión, contigüidad o contradicción, se muestren inmersas dentro del contexto expositivo del museo.

Desde su inicio en 2011 hasta la fecha, el MACA ha expuesto 15 piezas invitadas.

“Parada Estación” es una instalación de María Aranguren que rinde homenaje a Eusebio Sempere y se inscribe dentro del conjunto de actividades que el Ayuntamiento de Alicante y el MACA han programado con motivo del 30 aniversario de la muerte del artista.

“Parada Estación” marca un recorrido, a través de catorce pequeñas piezas de policarbonato en la calle, que conduce al viandante desde la Plaza de la Santa Faz hasta el MACA. Catorce “Estaciones” en lugares elegidos por la artista entre las dos primeras estaciones del Via Crucis de la Santa Faz: la fuente, el Palacio, Portaferrisa, la curva de Maldonado, el callejón Heliodoro Guillén…

En la búsqueda o en el hallazgo de los enclaves se establecen relaciones estéticas y conceptuales que propician una mirada diferente sobre los muros y fachadas de este barrio singular y acompañan a los visitantes hacia la puerta del MACA, donde una gran pieza homenaje, inspirada en la obra de Sempere, cierra el recorrido.