Pablo Picasso recorre casi un siglo de arte y a su lado, una serie imprescindible de artistas transforman radicalmente la historia del arte mientras desdibujan las fronteras entre la figuración y la abstracción. Muchos de ellos están aquí representados.

La Colección Arte Siglo XX guarda entre sus fondos una gran cantidad de obras sobre papel entre dibujos, grabados, litografías y serigrafías que completan una extensa nómina de artistas imprescindibles, recorriendo los territorios más sugerentes del entramado artístico del siglo pasado. 
Y es así porque Eusebio Sempere y su compañero Abel Martín, después de experimentar en París variadas técnicas de impresión, introducen en España la serigrafía artística realizando bellísimas estampaciones de sus propias obras y de sus amigos artistas. Y están profundamente convencidos de que la obra gráfica merece el status de «original» y de que sitúa el arte contemporáneo al alcance de una mayoría de público, democratizándolo.

Con esa convicción estética y política, Sempere admiró siempre la figura de Pablo Picasso. Adquirió el grabado de Picasso perteneciente a la Suite Vollard, Fernando Zóbel le regaló el Retrato de Rimbaud y compró El Entierro del Conde de Orgaz, obras que aquí se muestran. De la misma manera que participó en el Homenaje a Picasso que tuvo lugar en la celebración del 90 cumpleaños del artista en noviembre de 1971, sufriendo por ello detención, encarcelamiento y una cuantiosa multa económica. 

Desde 2017 la Conselleria de Educació, Cultura i Esport mantiene una línea de adquisición de obras de arte con el doble propósito de dinamizar el mercado artístico contemporáneo, a la vez que reunir una colección de obras representativas de la actualidad artística en nuestra Comunitat. Distintas generaciones y sensibilidades que abordan el proceso de creación artística ofreciendo nuevas perspectivas sobre nuestro mundo más cercano.

Una muestra de tres piezas de tres artistas: Paloma Navares, Teresa Lanceta y Amparo Tormo se pueden disfrutar en el MACA.

La noche más corta es una exposición colectiva, que surge como propuesta colaborativa entre ambas galerías y el museo, abriendo un diálogo en torno a la idea de transformación en los procesos creativos, artísticos y vitales.

Como un esfuerzo por dinamizar nuevas formas de producción y exposición del arte, la muestra se realiza de manera transversal y concomitante entre las tres sedes de las galerías en Madrid y Alicante y el MACA, con obras expuestas de manera orgánica entre ellas, tomando criterios conceptuales y estéticos por encima de la representación de las galerías como un ejercicio real de sinergia institucional.

La noche más corta profundiza sobre la transformación como un proceso de resignificación que promueve la regeneración, transmutación cambio y renovación, considerando los duros tempos que corren y tratando de referencia a las tradiciones de San Juan, tiempo en el que tiene lugar un cambio de estación cuya tradición consiste en dar paso a lo nuevo, renovado y transformado.

El Museo de Arte Contemporáneo de Alicante presenta en esta exposición dos obras de Eulàlia Valldosera: La Caída. Salir de las llamas para caer en las brasas de 1996 y Lazos familiares de 2012. 

La Caída es una obra fundamental en la trayectoria de la artista, una instalación compleja y enigmática que habla de un accidente emocional, una bajada a los infiernos, la imposibilidad de salir de una situación aun intentando comportamientos distintos. El cuestionamiento mismo de una pareja en su entorno doméstico, una historia carente de narración que se despliega en el espacio donde el espectador se encuentra atrapado como testigo y artífice del problema. 

Lazos familiares es una serie de fotografías de la intimidad y pone en evidencia las relaciones sentimentales visibles y ocultas que los miembros de cada familia sufren, gozan o padecen. Implicaciones complejas e inevitables que redefinen el modelo mismo de familia en continua transformación. Amor, protección o cuidado mutuo se tiñe de odio, ausencia, celos o abuso en un laberinto emocional muy fragmentado.

En ambas obras, el drama está a la vista. Recuperado. Los hechos no se relatan, sino que se representan. Por medio de la realidad y de su sombra, de la proyección de la luz y del movimiento. Con una mirada propia, Valldosera recrea escenas dramatizadas que reflejan simultáneamente la presencia y la ausencia, la memoria y el deseo, donde la sombra evoca una búsqueda interior que remite al mundo del subconsciente, no solo como espectro de un pasado no resuelto, sino también como una forma auténtica de la realidad. 

Juana Concepción Francés de la Campa (Alicante, 1924 - Madrid, 1990) es una de las artistas más contundentes del panorama artístico español de la segunda mitad del siglo XX, pionera del informalismo abstracto y única mujer del emblemático Grupo El Paso. Expuso en eventos artísticos internacionales tan importantes como las tres Bienales Hispanoamericanas, la Bienal de Venecia, hasta en cinco ediciones, o la de São Paulo. Expuso en colectivas junto a compañeros de generación en el Museo Guggenheim de Nueva York o en la Tate Gallery de Londres y en destacadas muestras individuales en instituciones de España, Francia o Portugal, entre otros lugares. Fue reconocida por la crítica desde su etapa inicial figurativa hasta el final de su trayectoria, pero ha sido olvidada por la historiografía del arte. En los últimos años su figura se ha reivindicado con fuerza, afirmando su calidad y pertinencia y en el MACA hemos profundizado en sendas exposiciones sobre sus pinturas abstractas. 
 

Ahora proponemos revisar los orígenes de su pintura: los años de formación, su etapa figurativa más simbolista y su transición personal antes de lanzarse a la aventura generacional del arte abstracto. Es la etapa menos conocida: pinturas donde la figuración de influencia italianizante se mueve entre el simbolismo contenido y el surrealismo de raíz metafísica con figuras rotundas y voluminosas de corte geométrico. Entre los temas que presenta hay maternidades, retratos de niños y mujeres, familias y enigmáticos bodegones así como escenas alegóricas que presentan un aire de misticismo intrigante y que encierran una espiritualidad que veremos aflorar en etapas posteriores. A nivel técnico, Francés trabaja de forma innovadora para conseguir determinadas texturas y empastes con la técnica de la encáustica donde mezcla cera, resina y disolvente sobre un soporte rígido, superponiendo distintas capas de pintura para “herirlas” después con un clavo. Una voluntad experimental que permanecerá intacta a lo largo de toda su trayectoria, marcando su fuerte personalidad plástica. 
 

Juana Francés es la más destacada de un grupo de mujeres artistas que comenzó a exponer en los años 50 del pasado siglo y cuya obstinación profesional desafió a la sociedad de su tiempo: un sistema excluyente, que relegaba a la mujer a la esfera doméstica o a papeles decorativos en la cultura. Frente a un entorno hostil, normativo y rígido creado por la ideología social del franquismo, Juana Francés logró estar atenta a las preocupaciones plásticas y formar parte activa de una generación de artistas que revolucionaron el arte de su tiempo. Su trayectoria permite hoy repensar el papel de las mujeres en la historia del arte, así como la compleja relación entre modernidad estética y compromiso social.
 

Obertura. Más allá de los mapas es el título de la primera exposición de la Colección Michael Jenkins y Javier Romero en el MACA. Incluye cuarenta y nueve artistas de diferentes generaciones y nacionalidades de entre los ciento sesenta y dos que integran la colección, con trabajos que abarcan desde finales de los sesenta hasta la actualidad, buscando un equilibrio entre figuras históricas o artistas de larga trayectoria y artistas más jóvenes. 

Obertura porque da inicio y sirve de introducción a una colección más extensa que intenta eliminar no solo las jerarquías geográficas, si no también jerarquías de disciplinas y medios artísticos, de fronteras generacionales, de género o identidad, de trabajo individual o en grupo, o jerarquías que puedan aplicarse a la diversidad de planteamientos formales o conceptuales en el arte para ofrecer una visión que va más allá de los mapas, más allá de cualquier tipo de frontera artística preestablecida y hermética. Abriendo la mirada.

La selección propuesta refleja la variedad de temáticas y narraciones que los artistas han venido explorando en el contexto social y político, con el fin de estimular el pensamiento crítico y ofrecer una imagen más nítida y fiel de la realidad. Queríamos resaltar también la elevada presencia de artistas mujeres en la colección y constituyen la mitad de los artistas incluidos en esta presentación. También hemos seleccionado varios artistas de color entre el destacado grupo cuyos trabajos se hallan representados en la colección. Por último, era importante destacar la presencia de artistas alicantinos, para lo cual se ha incluido el trabajo de diez de ellos con el fin de crear una lectura que aspirando a lo global entiende como fundamental lo local, lo más próximo.

Así, tratando de eliminar fronteras cronológicas y territoriales, proponemos que en esta primera instalación convivan artistas de generaciones y marcos geográficos distintos y que se construyan diálogos cruzados entre las obras seleccionadas. Sirva de presentación.
 

Es el artista alicantino más conocido inter­nacionalmente y uno de los representantes españoles más genuinos de la abstracción geométrica y de las tendencias ópticas y ciné­ticas. Su obra es el fruto de un continuo y riguroso trabajo sobre la geometría, el movimiento y la ilusión óptica, en el que además desarrolla, desde la composición y la forma, una poética lírica de singular belleza.

La Colección Municipal Eusebio Sempere está constituida por las obras del artista alicantino que el Ayuntamiento de Alicante ha adquirido desde 1978 hasta hoy. Son 575 piezas entre dibujos, pinturas, esculturas y obra gráfica Cronológicamente este conjunto de obras abarca un periodo muy extenso de la producción de Sempere: desde los primeros años 40 (dibujos y óleos) a las primeras obras modernas que el artista realizó en París en los años 50 (una amplia selección de acuarelas y gouaches), siguiendo con las pinturas sobre tabla de los años 60 tan características de su producción y esculturas en hierro y acero cromado, típicas de su trabajo en los 70. Asimismo, incluye una importante selección de serigrafías y litografías que recoge lo más singular de su obra gráfica. Se trata de una colección que recorre la evolución creativa de una de las personalidades más interesantes del panorama artístico español de la segunda mitad del siglo XX. Es —además—, un auténtico homenaje a Sempere, protagonista de uno de los actos más generosos para con la ciudad de Alicante: la donación de su colección de arte… toda una vida.

De los esenciales a los imprescindibles

La Colección Arte Siglo XX donada por Eusebio Sempere a la ciudad de Alicante es el pilar de este nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Alicante. Está compuesta por 177 piezas entre esculturas, pinturas, dibujos y obra gráfica, fechadas entre los años veinte hasta los primeros ochenta y es el fruto de una rigurosísima labor de selección y adquisición de obras de los más grandes artistas de la modernidad y las vanguardias del pasado siglo.

La Colección atesora auténticas piezas maestras que representan los principales nombres y movimientos del arte español, donde alcanza sus más altas cimas. Con decidida vocación internacional, su creador, Eusebio Sempere, deja patente su gran sensibilidad, visión de futuro y sobre todo, su voluntad de difundir los valores estéticos del arte del siglo XX.

Algunos de los más importantes creadores de nuestro siglo están representados aquí: Picasso, Braque, Julio González, Juan Gris, Gargallo, Delaunay, Arp, Cocteau, Chagall, Giacometti, Miró, Dalí, Max Ernst, Calder, Bacon, Matta, Fautrier, Clavé, Tàpies, Chillida, Millares, Saura, Vasarely, Agam, Soto, Rosenquist, Oldenburg, Rauschenberg, Adami, Dine… entre otros. Pero es en el ámbito propio del arte español del siglo XX donde encontramos las mejores obras de la Colección y una más extensa relación de tendencias, movimientos y grupos significativos del arte de vanguardia en nuestro país con obras de Alberto Sánchez, Ferrant, Palazuelo, Guerrero, Viola, Feito, Rivera, Canogar, Juana Francés, Pablo Serrano, Alfaro, Guinovart, Ràfols Casamada, Hernández Pijuán, Farreras, Manrique, Mompó, Torner, Rueda, Zóbel, Lucio Muñoz, Equipo Crónica, Julio López Hernández o Genovés, entre otros…

Una impresionante muestra de pinturas, esculturas, obras mixtas adosadas, dibujos, grabados, litografías y serigrafías viene a completar la extensa nómina de artistas imprescindibles, recorriendo los territorios más sugerentes del entramado artístico del siglo pasado.

Actualmente la pieza se encuentro en préstamo.

El MACA cuenta desde hoy con la pieza de Arcadio Blasco «Objeto-idea» con motivo del décimo aniversario de su fallecimiento. La obra ha sido depositada por un periodo de cinco años por José Piqueras, y se expone desde hoy en la planta baja del museo. El artista

Arcadi Blasco Pastor (Mutxamel, Alicante, 1928 – Majadahonda, Madrid, 2013) fue un pintor que en la segunda mitad de la década de los 50 encuentra en la cerámica el material idóneo para la expresión plástica. Su formación artística como pintor tiene lugar en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, donde llegó a los 19 años, terminando el curso de profesorado en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 1953. Ese mismo año se traslada a Italia, en donde reside por dos años en la Academia de España en Roma, allí tiene su primer contacto con la cerámica a través de la obra de Nino Caruso y de Carlo Zauli.

Al regresar a España, realiza sus primeras experiencias cerámicas y se interesa por la cerámica artesanal, lo que lleva a trabajar con el alfarero de Cuenca, Pedro Mercedes- con el que intercambia saberes-, y en otros talleres de cerámica popular de Agost y Triana (Cerámica Montalbán). En 1955 instala su primer taller en la nave- cedida por el arquitecto Luis Feduchi- el edificio a mitad construir del Museo de América situado en la Ciudad Universitaria de Madrid, que compartió con José Luis Sánchez, Jacqueline Canivet y Carmen Perujo; allí realizaría, entre otras obras, muchas vidrieras, mosaicos y murales cerámicos destinados, en gran parte, a ornamentar las iglesias que se construyeron por encargo del Instituto de Colonización de los Pueblos de España, colaborando con los arquitectos José Luis Fernández del Amo, Ignacio Gárate, Luis Cubillo, García Benito, Luis Feduchi, Fernández Alba y Fisac, entre otros. El inmenso espacio de este lugar de trabajo para la creatividad también fue utilizado ocasionalmente por pintores como José Vento, Hernández Mompó, Rafael Canogar, Antonio Saura, etc., que tenían necesidad de realizar obras de gran formato y no disponían de espacio suficiente en sus estudios. Este taller provisional llegó a convertirse en un lugar de encuentro de artistas de la joven vanguardia madrileña.

Precisamente, una de las características más destacables de la trayectoria como ceramista de Arcadio Blasco es su participación directa, entre los años 1945 y 1974, en el nuevo acontecer del arte contemporáneo, pues fue – como ha señalado acertadamente Carmen González-, "el único artista cerámico que por una serie de «casualidades»"- como él mismo define- participa en el campo de las artes plásticas, y que ha realizado gran cantidad de exposiciones nacionales e internacionales en los foros del arte contemporáneo llevando siempre obra cerámica.

Después de una primera aproximación directa al quehacer cerámico, que consistió en emplear la superficie de recipientes como soporte de su vocabulario pictórico – realizando obras con cierta carga decorativa-, Arcadio Blasco se sentirá fuertemente atraído por las cualidades y expresividad de esta materia, y como consecuencia nacerán sus Cuadros cerámicos (1956-64).

En todos sus ciclos de trabajo posteriores: Objetos idea (1969), Propuestas ornamentales (1969-74), Arquitecturas y Muros para defenderse del miedo (1970-86), Ruinas arqueológicas (1984-86), Ruedas de Molino para comulgar (1985). Homenajes (1992-95), las arcillas de distintas tonalidades, los engobes, vidriados – menos frecuentes y muy matizados-, y las aplicaciones de óxidos colorantes de tonos terrosos serán – muchas veces sometidos a una cocción reductora-, los materiales protagonistas de sus obras.

En aquel torbellino de búsquedas en que se convirtieron los años 50 para los artistas españoles más inconformistas, Acadio Blasco indaga en las posibilidades de la materia cerámica y encuentra en la arcilla cocida el medio idóneo con el que realizar en volumen sus últimas investigaciones pictóricas, que desembocarán – en cerámica- a finales de los años 60 en relieves y esculturas de compromiso social y crítica política.

Con su regreso en 1985 a su pueblo de nacimiento (Mutxamel) y la instalación de su taller en una casa de campo de la partida de Bonalba, Alicante recobró un artista en plena madurez que hizo un esfuerzo por activar la cultura alicantina a través de distintas iniciativas, algunas relacionadas con la cerámica y su enseñanza.

Algunos de estos “Objetos-idea” de finales de los sesenta se mostraron en la exposición de Arcadio Blasco en el Pabellón Español de la XXXV Bienal de Venecia en junio de 1970, y fueron la antesala de sus “Propuestas ornamentales para el diálogo” y de las “Propuestas para torturar”, series a las que pertenecen obras fundamentales de su producción artística de principios de los setenta como el “Recinto para un asesinato legal” de la colección del MACA.

La cerámica es protagonista y los relieves comienzan a envolverse sobre sí mismos, a querer ocultarse, adquiriendo un aspecto más escultórico e incluso arquitectónico con la inserción de huecos practicables. Estas obras están trabajadas con minuciosidad artesanal mediante un conjunto de recursos muy personales: toques e impresiones a modo de escritura cuneiforme y repetitiva; hileras de bolas o perlas de arcilla añadidas y de diferentes tamaños; cuentas de collar o radiaciones como si fuesen piezas de orfebrería de antiguas culturas, refinadas y bárbaras a un tiempo, con todo tipo de rugosidades y relieves donde parece hervir aún la materia.

Vásárhelyi Győző, nombre real del artista (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 – Annet-sur-Marne, Francia, 15 de marzo de 1997). Estudió medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la enseñanza del Bauhaus en Budapest. Se traslada a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art.

Trabajó en publicidad y decoración hasta 1940. Realizó la primera exposición en la galería de Denise René, a la que permanecería siempre unido. Su obra se basa en la abstracción geométrica y en la interacción de los colores para dar sensación de movimiento y fue el máximo representante del op-art.

En 1955 publica su Manifiesto amarillo, una teoría sobre la plástica bidimensional y el arte cinético. Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abtracto geométrico, utilizando diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Su trabajo le dio fama internacional y recibió varios premios prestigiosos.

Esta pieza, propiedad de la Diputación Provincial de Alicante, prorroga su estancia en el MACA formando parte, como pieza invitada, del espacio cinético de la Colección Arte Siglo XX, donde se expone otra obra de este artista húngaro: «Kroa B», 1971 (escultura en metal anodizado y policromado).

La sensación de movimiento es el elemento común de las obras que componen esta Sala. La relación mutua, física y emotiva que se establece entre el espectador y la obra, es un mouvement émouvant [movimiento emocionante], como lo describe Vasarely en 1955: las obras son cuerpos vivos que se reflejan en el cuerpo en movimiento del espectador y entran en relación con él, lo convierten en partícipe
Vásárhelyi Győző, nombre real del artista (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 – Annet-sur-Marne, Francia, 15 de marzo de 1997) Estudió medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la enseñanza del Bauhaus en Budapest. Se traslada a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art.

Trabajando en la publicidad y la decoración hasta 1940 realizó la primera exposición en la galería de Denise René, a la que permanecería siempre asociado. Su obra se basa en la abstracción geométrica y en la interacción de los colores para dar sensación de movimiento y es el máximo representante del op-art. En 1955 publicó su Manifiesto amarillo, una teoría sobre la plástica bidimensional y el arte cinético. Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abtracto geométrico, utilizando diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Su trabajo le dio fama internacional y recibió varios premios prestigiosos.

El museo Vasarely en Hungría contiene una importante colección de sus obras, así como de otros muchos artistas de origen húngaro que han trabajado en el extranjero. Es el padre del artista Yvaral, autor de obras de ese mismo estilo.

Si la idea de la obra plástica residía hasta ahora en una gestión artesanal y en el mito de la «obra única», ahora se encuentra en la concepción de una posibilidad de RECREACIÓN, de MULTIPLICACIÓN y de EXPANSIÓN. •

¿La inmensa difusión de la obra literaria o musical se ejerce en detrimento de su unicidad y de su calidad? • La majestuosa cadena de la imagen fija en dos dimensiones va de Lascaux a los abstractos… el futuro nos reserva la felicidad de una nueva belleza plástica, en movimiento y emocionante.