El conjunto de obras que integran la Colección CIRCA XX fue adquirido por el Gobierno de Aragón a su propietaria Pilar Citoler a finales del año 2013, mediante una fórmula mixta que incluía compra y donación. Desde entonces se asignó como parte del fondo estable de la colección del IAACC Pablo Serrano de Zaragoza para su custodia y exhibición. Un conjunto de 1200 obras que incluye pinturas, dibujos, obra gráfica, fotografía, escultura, instalaciones y vídeo, convertida en una de las colecciones de referencia en el panorama nacional e internacional. 

Esta selección de obras lleva por título Heterotopías, un neologismo acuñado en 1967 por el filósofo francés Michel Foucault, que construyó a partir de los vocablos griegos “heteros” (diferente) y “topos” (lugar), como denuncia del interés de la historia solo por el tiempo. El concepto de Heterotopía reivindica el mundo contemporáneo por excelencia, una época donde el espacio es heterogéneo, simultáneo, yuxtapuesto donde convive lo próximo y lo lejano, lo uno al lado de lo otro y lo disperso; donde encontramos esos “lugares otros” en los que los elementos repartidos a través del tiempo conforman un conjunto de relaciones, un mapa de redes y sinergias, un entrecruzamiento fatal del tiempo con el espacio. 

A través de conexiones transgeneracionales proponemos una lectura sin cronología. Solo para mirar. Artistas primeros vinculados con las vanguardias artísticas que buscan la esencia de las formas desterrando lo superfluo y retrocediendo lo andado hasta llegar al origen, al fundamento de las formas para ser testigos de las conjugaciones de lo negro y de las disipaciones de la transparencia. Otros artistas experimentan con el color y la geometría: la lógica formal y la tradición constructiva se conjuga con la computación y las nuevas tecnologías proponiendo juegos visuales, efectos ópticos concretos, dinámicos, tan virtuales como perceptibles sometidos a un ritmo frenético establecido por la repetición y la interacción de los colores. Y transformando la percepción, poniendo el énfasis tanto en aquello que se ve como en lo que se sugiere, artistas últimos anuncian entornos fríos y distantes sometidos al hecho mismo de ver o no ver, deslumbrados por el color o por su ausencia, atravesados por una luz cegadora cercana a la invisibilidad que construye un estado mental en permanente desenfoque, una atmósfera artificial que plasma la abstracción de la realidad. Las Heterotopías construidas a tiempo y espacio real son los lugares donde se cumplen las utopías. 

Las Cuatro Estaciones de 1965 es la primera carpeta de serigrafías artísticas que se estampa en España. Hace de ello 50 años y la presentación en la Galería Juana Mordó se convirtió en un éxito de público, crítica y ventas sin precedentes. Fue el inicio de uno de los conjuntos de obra gráfica más importantes realizados en la España del siglo XX, el del artista Eusebio Sempere, excepcional tanto por su calidad como por su cantidad. Aproximadamente doscientas obras entre serigrafías, litografías y grabados, elaboradas de forma artesanal en las que se alcanzan altísimas cotas de perfección siempre minuciosa y a veces, preciosista.

Se presentan 9 carpetas de serigrafías originales de Eusebio Sempere todas estampadas por Abel Martín, como si de un trabajo en equipo se tratara, que recorren la trayectoria vital de ambos artistas y ponen de manifiesto la colaboración artística conjunta, la unión y comunicación espiritual. Sempere sería el cerebro de las formas y de los colores que luego Abel Martín, excelente estampador, plasmaba sobre el papel mediante la superposición de pantallas de seda, una por cada uno de los colores empleados. A veces más de 40.

Las Cuatro Estaciones de 1965, Álbum Nayar de 1967, Libro Alarma, Transparencia del Tiempo o La Alhambra de 1977, Homenaje a Gabriel Miró de 1978, La Luz de los Salmos de 1980, Cántico Espiritual de 1982 o la carpeta póstuma de Las Cuatro Estaciones de 1988 que acabó Abel Martín en solitario, conjugan la música de los números que no existen con la literatura precisa para cada línea.

Todas las carpetas van acompañadas de textos literarios, experimentales, vanguardistas, clásicos o místicos. Pedro Laín Entralgo, Julio Campal, José Miguel Ullán, Edmond Jabés, los poetas árabes de Granada, Gabriel Miró, los salmos bíblicos o San Juan de la Cruz presentados a su vez por Rafael Alberti, Gerardo Diego, Vicente Aleixandre, Juan Cantó o Vicente Aguilera Cerni, palabras prendidas en las formas y colores que inspiran a las almas el deseo de quedarse allí y tomar asiento.

La muestra compuesta por tres planchas y un rollo de papel interminable forman parte de la creación más reciente de la artista china donde evoca sus viajes a través de las montañas chinas sagradas; rollos de papel y tinta china de grandes proporciones que se despliegan alargándose a modo de manantiales en los espacios donde intervine. En la exposición “Metamorfosis”, Bingyi recurre a los juegos de luces y sombras, manchas suaves y delicadas, propias de la poética del haiku, donde la artista gusta desenvolverse, al manifestar su asombro y arrobo que le produce la contemplación de la naturaleza.

Desde finales de los años 60 hasta la década de los 90, los principales autores españoles trabajaron con Íbero-Suiza. Eusebio Sempere fue el primero de ellos en conocer esta técnica. Los artistas, con un claro compromiso antifranquista, utilizaron la serigrafía, como medio para difundir tantos sus inquietudes ideológicas como su arte.

Durante décadas, la familia de José Llopis ha conservado parte del material impreso, desde estampas dedicadas a pruebas numeradas y firmadas, carteles, pruebas de taller, de color y estampas incompletas que quedaron fuera de la edición. Material que hoy nos permite entender el proceso de creación de los artistas y los técnicos del taller y que resulta de gran interés para especialistas e investigadores del ámbito de la obra gráfica contemporánea.

La muestra está compuesta por 46 piezas, dos de ellas del MACA. 44 serigrafías y 1 obra original. Además de material documental, cartas, dibujos, pantallas, fotografías.... y una selección de carteles también estampados en serigrafía.

Primera exposición de producción propia del MACA, realizada en colaboración con el Centro de Arte Tomás y Valiente, CEART de Fuenlabrada. Esta muestra invita a establecer un juego de paralelismos introduciendo el factor temporal y profundizando en la temática que acentúa sus valores estéticos. Un mismo tema desarrollado en momentos estéticos diferentes de su trayectoria artística dan como resultado sugerentes parejas de obras en las que Tàpies se enfrenta a sí mismo ofreciendo distintas visiones entre el artista de ayer y casi de hoy, siempre con el denominador común de la intensidad, la fuerza. Con el paso del tiempo esa energía, ese vigor en la gestualidad, se hacen más latentes. Su trazo contundente parece acompañado de un brazo y un corazón cada vez más jóvenes. No es necesario hacer una retrospectiva para observar esta realidad pues cualquiera de sus piezas la contiene.

Las piezas elegidas son de una gran diversidad técnica: desde de las características técnicas mixtas a base de materia sobre tela o tabla, collages de objetos o texturas, pintura sobre tela, ensamblajes o grafito sobre papel.

La exposición integra también un ensamblaje sobre tierra chamotada, es decir, una de las famosas piezas cerámicas del artista. La diversidad técnica resulta evidente y, no obstante, la sensación unitaria del conjunto es del mismo modo claramente perceptible. Nuestra visión como espectadores actuará como el montaje en paralelo y saltará de una pintura a otra para encontrar las coincidencias y extraer los nuevos significados que sin duda, surgen más allá de la contemplación aislada de una obra en particular. En conjunto la obra expuesta resulta impactante, no solo por el carácter de su iconografía, (duales, complementarios, contradictorios) sino también por la auténtica lucha que se establece entre la oscuridad y la luz que no obedece de manera exclusiva a la herencia tenebrista o la pintura barroca española. Temas capitales como el amor, y el dolor o la vida y la muerte son los que están más presentes en la obra de Tàpies.

Las obras de esta exposición confrontan al espectador con la presencia física de la pintura. En sus componentes visibles —forma, color y línea— se encuentra toda su capacidad persuasiva. Su materialidad se percibe como un acontecimiento visual que surge del plano pictórico y que actúa como una energía que envuelve al espectador y lo implica emocionalmente. En el siglo xx la pintura se liberó de su función imitativa y representativa del mundo visible y se convirtió en una realidad en sí misma. La abstracción la llevó a emprender un viaje de exploración de la superficie plana del cuadro y de sus propiedades físicas durante el que se despojó de todo aquello que no fuera objetivo.

En ese proceso la pintura adquirió vida propia. Las obras de esta exposición confrontan al espectador con la presencia física de la pintura. En sus componentes visibles —forma, color y línea— se encuentra toda su capacidad persuasiva. Su materialidad se percibe como un acontecimiento visual que surge del plano pictórico y que actúa como una energía que envuelve al espectador y lo implica emocionalmente. La pintura abstracta forma parte de este mundo en constante cambio y su lenguaje visual no posee significados permanentes. Siempre será sensible a diferentes miradas y a su relación con el espectador.