El 12 de marzo de 1960 se inauguró en el Ateneo Mercantil de Valencia la Primera exposición conjunta de arte normativo español. Esta muestra fue organizada por el Grupo Parpalló, y coordinada por los críticos valencianos Vicente Aguilera Cerni y Antonio Giménez Pericás, y contó con la participación del Equipo 57, el Equipo Córdoba, José Mª Labra y Manuel Calvo. En la exposición se exhibieron obras de todos ellos junto con los miembros del grupo valenciano: Andreu Alfaro, Eusebio Sempere, Isidro Balaguer, Monjalés y el decorador José Martínez Peris. La exposición constituyó la culminación de un intenso proceso previo de relación y debate entre los distintos críticos de arte, grupos artísticos y artistas que habían tomado partido por la abstracción geométrica en abierta oposición al informalismo. El arte normativo o normativismo fue la etiqueta autóctona propuesta, en la España de finales de la década de los cincuenta, con la intención de crear un amplio movimiento representativo, e inédito en nuestro país, de un arte abstracto geométrico heredero del neoplasticismo, el constructivismo y la Bauhaus. La muestra sobre Arte normativo está compuesta por más de 50 obras entre esculturas, pinturas y fotografías y conmemora el 50 aniversario de la primera exposición de Arte Normativo español que tuvo lugar en Valencia el 12 de marzo de 1960. La exposición, muestra 12 esculturas, 5 fotografías, 5 relieves luminosos, 2 tablas, además de otros elementos expositivos como el cartel de la exposición de 1960 y una película de Equipo 57.

La exposición “Blanco y negro: sujeto, espacio y percepción” es una aproximación a la obra de diversos artistas que, en el ámbito español desde el final de la posguerra hasta nuestros días, se han planteado la creación plástica desde la obra monocromática en blanco o en negro a la construcción de un espacio que se articula en torno a dualidades opuestas o complementarias. En consecuencia, plantear una exposición sobre el color es reflexionar sobre uno de los temas centrales para la creación contemporánea. Entre las sucesivas vicisitudes que atravesó el color durante el siglo XX, observamos cómo, desde la segunda Guerra Mundial hasta nuestros días, el color sufrió un continuo proceso que lo transformó en un material común y banal dentro de la vida cotidiana, que pasaba a ser fabricado en serie y estandarizado por el comercio. En el ámbito artístico sus repercusiones no fueron menores, por ello, cierto número de artistas conformaron una paleta de colores muy alejada de cualquier voluntad espiritual, intencional o significativa que, hasta entonces, la tradición del arte había reclamado.Esta nueva presentación de la exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, que toma como base la Colección de la Fundación Chirivella Soriano, se estructura en cuatro ámbitos: Preludio sobre el blanco; individuo aislamiento, sociedad; la destrucción y el amor; y por último, Armonio de contrarios.

Esta colección comenzó a formarse hace más de 30 años por los organismos que precedieron a AENA en la toma de decisiones sobre inversiones en infraestructuras aeronáuticas. La mayor parte de las pinturas, esculturas, murales y obras gráficas, que componen la Colección corresponden, con algunas importantes excepciones, a la producción artística española e iberoamericana más reciente donde están representadas las más significativas tendencias del arte contemporáneo.La selección que se muestra en el MACA corresponde a una excelente generación de artistas que representan lo mejor del arte español del último cuarto del siglo XX. Las obras escogidas destacan por su contemporaneidad y su fuerza expresiva y provocan en el espectador un intenso impacto emocional.

Antes del Arte fue un grupo de artistas formado en Valencia, a finales de la década de los sesenta del pasado siglo, cuya trayectoria goza de singular importancia en el decurso que ha seguido el arte contemporáneo español. El interés de sus investigaciones radica en su especial aproximación a la relación entre el arte y la ciencia; o, más bien, a la consideración tendente, en términos conceptuales, a la indiferenciación de las posibilidades de acción entre ambos campos del conocimiento.La exposición planteada constituye una mirada retrospectiva sobre la corta, aunque tremendamente intensa, andadura de este colectivo artístico en un tiempo de especial trascendencia histórica, como es el que rodea el año 1968. Fundamentalmente, se reúne una parte considerable de las obras que integraron las tres principales muestras del grupo (Colegio de Arquitectos, Valencia, 1968; Galería Eurocasa, Madrid, 1968; y Galería As, Barcelona, 1969).Se pretende reproducir, medio siglo después, el ambiente de aquellas exposiciones en las que se ponían ante el espectador objetos y dispositivos móviles capaces de generar diversas experiencias ópticas, perceptivas y estructurales (recurriendo, por cierto, en muchas ocasiones, a los mismos fundamentos físicos que empleaban los mass media y las compañías publicitarias de la época). Y ello se hace con la doble intención de poner de manifiesto el interés y la relevancia de aquella iniciativa y, además, ponderar el influjo que supuso en las trayectorias de los artistas participantes

Primera exposición de producción propia del MACA, realizada en colaboración con el Centro de Arte Tomás y Valiente, CEART de Fuenlabrada. Esta muestra invita a establecer un juego de paralelismos introduciendo el factor temporal y profundizando en la temática que acentúa sus valores estéticos. Un mismo tema desarrollado en momentos estéticos diferentes de su trayectoria artística dan como resultado sugerentes parejas de obras en las que Tàpies se enfrenta a sí mismo ofreciendo distintas visiones entre el artista de ayer y casi de hoy, siempre con el denominador común de la intensidad, la fuerza. Con el paso del tiempo esa energía, ese vigor en la gestualidad, se hacen más latentes. Su trazo contundente parece acompañado de un brazo y un corazón cada vez más jóvenes. No es necesario hacer una retrospectiva para observar esta realidad pues cualquiera de sus piezas la contiene.Las piezas elegidas son de una gran diversidad técnica: desde de las características técnicas mixtas a base de materia sobre tela o tabla, collages de objetos o texturas, pintura sobre tela, ensamblajes o grafito sobre papel.La exposición integra también un ensamblaje sobre tierra chamotada, es decir, una de las famosas piezas cerámicas del artista. La diversidad técnica resulta evidente y, no obstante, la sensación unitaria del conjunto es del mismo modo claramente perceptible. Nuestra visión como espectadores actuará como el montaje en paralelo y saltará de una pintura a otra para encontrar las coincidencias y extraer los nuevos significados que sin duda, surgen más allá de la contemplación aislada de una obra en particular. En conjunto la obra expuesta resulta impactante, no solo por el carácter de su iconografía, (duales, complementarios, contradictorios) sino también por la auténtica lucha que se establece entre la oscuridad y la luz que no obedece de manera exclusiva a la herencia tenebrista o la pintura barroca española. Temas capitales como el amor, y el dolor o la vida y la muerte son los que están más presentes en la obra de Tàpies.

Pablo Palazuelo es una de las figuras clave del arte español de la segunda mitad del siglo XX. Artista excepcional dentro del panorama del arte abstracto español, no solo por ser autor de una obra plena y rica en su diversidad que lo convierte en singular, sino también porque se aparta de las tendencias generales en las que se inscribieron el resto de los artistas de su generación, más interesados en la abstracción matérica o gestual. Su obra siempre minuciosa y pulcra, responde a una concepción de tipo geométrico muy personal que se caracteriza por una depuradísima técnica y un admirable sentido del color, constantes que están siempre presentes a lo largo de toda su carrera.Esta exposición titulada Palazuelo. Caligrafías musicales pretendía acercarse a la obra del artista desde su relación con la música, recorriendo la relación tan íntima que existe entre su obra, el sonido y el silencio. Permitía contemplar cómo el lenguaje musical subyace a toda la trayectoria del creador madrileño como un elemento común denominador. La muestra presenta obras procedentes de instituciones públicas y privadas, de museos y fundaciones así como de coleccionistas particulares que generosamente han cedido sus obras para esta exposición, sin las cuales no hubiera sido posible.

El artista utiliza desde principios de los años 70 la fotografía con la finalidad de encontrar otras opciones al color dominante en su pintura: por abrir una investigación neutralizadora de su utilización violenta de colores complementarios.Esta práctica fotográfica experimental le permite indagar sobre la construcción, reconstrucción y destrucción de la imagen. Técnicas de transformación como la fotografía, pero también la imprenta, la fotocopia y el collage reciclándose y trabajando en espiral. A través de esas técnicas Gordillo adopta modos del arte óptico y constructivista como la seriación, la repetición, las variantes y diferencias entre lo casi idéntico que le permiten desdoblar, simultanear y copiar una misma imagen obsesivamente.Trabajando con el negativo y el positivo de la imagen, superpuestos o a veces ligeramente desplazados, y también descompuestos en los cuatro colores de la cuatricromía, Gordillo convierte las imágenes resultantes en “esquizoides”, un estilo singular empapado de melancolía irónica en parte influenciado por su larga practica psicoanalítica.Gordillo, en su afán coleccionista, acumula tanto objetos banales de la cultura popular como imágenes de la prensa haciendo una amplia radiografía de la realidad; de todo ello se decantan imágenes de carácter psicodélico a veces cercanas al pop.Los procesos fotográficos realizados básicamente en los años 70 alumbran una manera de entender el proceso creativo de Luis Gordillo, a veces encallado entre el azar y el automatismo, pero siempre perturbador donde asoman algunas de las obsesiones del artista: el encuentro con objetos absurdos, la acumulación incoherente e interminable de enseres que colecciona desde hace años. Cosas descontextualizadas  y cargadas de significado plástico que utiliza como materia visual que resultan imágenes de carácter psicodélico a veces cercanas al pop, cargadas de un humor preestablecido y maníaco. Y esa forma tan libertaria de hacer fotografía nos lleva a proponer esta serie de obras transcritas desde el psicoanálisis para conformar la exposición de Luis Gordillo.

La exposición se centra en la idea de la mujer y de su cuerpo en interrelación con el tiempo y con el espacio. Un cuerpo, el de la propia artista, desde el cual produce acciones y trabajos creativos. Y, desde el que, recorre y mide el espacio y así mismo, siendo, a su vez, atravesado por el tiempo, mostrando incluso la vejez de una mujer, confrontado a la idea y promoción de la eterna juventud femenina fomentada por el sistema patriarcal. Y ese cuerpo, también es trasladado a la fotografía, a las instalaciones, los dibujos e incluso al video, a través de los autorretratos de su rostro y de fragmentos corporales, en actitudes performativas. Además, un accionar del cuerpo, mostrado a través de una serie de imágenes y audiovisuales que, como documentación de una selección de performances, se ofrecen como medios narrativos visuales y sonoros, junto a “las partituras” o guiones que ella construye para seguir en la ejecución de sus performances. En definitiva, todo un recorrido expositivo multi e interdisciplinar performativo expandido desde la acción a las obras plásticas y a la inversa, su incitación a la realización de acciones por parte del público o su mera evocación, o bien las piezas visuales como huellas o restos de performances. A la vez que nos muestra su propio cuerpo accionado en el tiempo y en el espacio, visto y leído como significado de capas simbólicas y representaciones deconstructoras de la mirada patriarcal sobre el cuerpo femenino. Y, todo ello, bañado con un cierto sentido del humor ácido, la conjugación del absurdo y los encuentros azarosos con los objetos, las palabras y los signos.