Desborde consiste en un tejido de gran tamaño cuya materia prima es hilo de plástico rojo, naranja y dorado con un alma de alambre. La estructura que está formada por 100.000 metros de alambre y 3 millones de nudos, que parte del concepto de fractal, un nudo que se repite y conecta las distintas partes de la malla con una gran posibilidad de permutaciones.

Esta exposición reúne una selección de obras realizadas en técnicas y soportes muy diversos: pintura, fotografía analógica y digital, impresiones, proyecciones, collage o instalaciones, etc., pobladas de seres humanos. De la naturaleza humana aglutina una serie de piezas de distintos artistas que tienen en común la representación de la dimensión humana. Narrativas en torno al cuerpo humano como figura, como individuo, como fragmento pero también como suma o multitud. 

El arte ha diseccionado al ser humano a través del entendimiento, de las pasiones o de la moral, del mismo modo que el filósofo escocés David Hume. Más escéptico que nunca el individuo conforma su percepción del mundo a través de ideas e impresiones. 

Cuatro propuestas artísticas a cargo de las artistas más representativas del panorama artístico contemporáneo. A partir de un recorrido circular, las obras de Carmen Calvo, Eva Lootz, Isabel Muñoz y Flor Galindo nos muestran que las preocupaciones que tiene el ser humano como entidad creadora son las mismas que tenían en la historia antigua y medieval. Cada instalación va acompañada de una selección musical ofrecida por Capella dels Ministrers, eje a partir del cual se conforma el Ciclo de la Vida.

Desde finales de los años 60 hasta la década de los 90, los principales autores españoles trabajaron con Íbero-Suiza. Eusebio Sempere fue el primero de ellos en conocer esta técnica. Los artistas, con un claro compromiso antifranquista, utilizaron la serigrafía, como medio para difundir tantos sus inquietudes ideológicas como su arte.

Durante décadas, la familia de José Llopis ha conservado parte del material impreso, desde estampas dedicadas a pruebas numeradas y firmadas, carteles, pruebas de taller, de color y estampas incompletas que quedaron fuera de la edición. Material que hoy nos permite entender el proceso de creación de los artistas y los técnicos del taller y que resulta de gran interés para especialistas e investigadores del ámbito de la obra gráfica contemporánea.

La muestra está compuesta por 46 piezas, dos de ellas del MACA. 44 serigrafías y 1 obra original. Además de material documental, cartas, dibujos, pantallas, fotografías.... y una selección de carteles también estampados en serigrafía.

Issahōmu’ es el proyecto fin de carrera de Anabel Ruiz desde la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Alicante y se presentó en la biblioteca Museo de Arte Contemporáneo de Alicante.

Presencia física, expresividad escénica en torno al cuerpo humano y su forma física, al movimiento y al espacio, son conceptos que se abordan en este espacio expositivo. Homo habitans, La interfaz de un vuelo, El cielo refugio son modelos de reflexión, de percepción y de compromiso que muestran cómo desde una poética de la miniatura llevar la responsabilidad espacial a primer término.

Pablo Palazuelo es una de las figuras clave del arte español de la segunda mitad del siglo XX. Artista excepcional dentro del panorama del arte abstracto español, no solo por ser autor de una obra plena y rica en su diversidad que lo convierte en singular, sino también porque se aparta de las tendencias generales en las que se inscribieron el resto de los artistas de su generación, más interesados en la abstracción matérica o gestual. Su obra siempre minuciosa y pulcra, responde a una concepción de tipo geométrico muy personal que se caracteriza por una depuradísima técnica y un admirable sentido del color, constantes que están siempre presentes a lo largo de toda su carrera.

Esta exposición titulada Palazuelo. Caligrafías musicales pretendía acercarse a la obra del artista desde su relación con la música, recorriendo la relación tan íntima que existe entre su obra, el sonido y el silencio. Permitía contemplar cómo el lenguaje musical subyace a toda la trayectoria del creador madrileño como un elemento común denominador. La muestra presenta obras procedentes de instituciones públicas y privadas, de museos y fundaciones así como de coleccionistas particulares que generosamente han cedido sus obras para esta exposición, sin las cuales no hubiera sido posible.

Arquitectura inadvertida. Encuentros entre la Colección DKV Seguros y la Colección Caja Mediterráneo surge de la interacción de obras y artistas en torno a un descubrimiento: la poética de una arquitectura inadvertida pero presente y formalmente responsable de crear espacios literarios como escenas aisladas de un sueño. Misterios desvelados donde una columna, un árbol, una puerta, un foco, un pasillo, una escalera... ayudan a descubrir el escenario de una realidad estética muy personal. Indagar en aquello que habitualmente no miramos, atmósferas voluntariamente borrosas, espacios simbólicos y monumentales pero también espacios vividos que evocan a veces un pasado olvidado, una memoria que trae la huella que permanece viva. Arquitectura dignificada que construye un paisaje narrativo entre la representación y la ilusión. Universos de ficción de extraordinaria belleza y capacidad de evocación. Figuras ensimismadas en un momento anterior al caos resueltas en equilibrio inestable, donde lo vulnerable o lo frágil por leve, se rompe. 

Obras prestadas por colecciones particulares y colección del artista. Esta retrospectiva que abarcaba gran parte de su etapa creativa (1984-2011), reivindicaba el talante independiente de Fernando Sinaga y perseguía hacer patentes la riqueza y complejidad de su obra. El traspaso de límites supone no solo la interactividad entre obras, sean objetos o imágenes, sino la apreciación del espacio como un elemento visual y plástico más que como contenedor neutral de creaciones, lo que a su vez implica valorar el arte más como experiencia estética en la que se participa, que como contemplación distanciada.

En la muestra quedaba de manifiesto que Sinaga se sumerge en una ideológica individual, cambiante, favorecedora de las diferencias y no de la homogeneidad y que responde al imperativo estético en el sentido de creación y no de belleza, por un lado a través de la expansión del concepto de escultura, y por otro, en obras como De los sentimientos, 1994 a través de la revisión de la idea de abstracción.

A modo de reflexión invita al espectador a reflexionar sobre el propio concepto de la reflexión: acción y efecto de reflexionar, considerar nueva o detenidamente algo, meditar, sugerir… pero también, sobre la acción y efecto de reflejarse. Esta exposición reunía un total de 13 obras de 11 artistas. Trece obras que mostraban una imagen de la realidad que nos atrapa fascinados por ese juego de transparencias, de veladuras, de reflejos… que quedan impresos en el suelo, el cristal, el lienzo, la tabla o la fotografía, demostrando así la fragilidad de lo sólido y la interacción misteriosa de la luz y el espacio. Pero también una reflexión en torno al mismo concepto y función del arte; fenómenos artísticos que han diluido los límites entre los géneros y las técnicas derivando hacia una complejidad de lo híbrido, cuestionando lo absoluto y deteniéndose en el proceso conceptual de la representación, donde el conocimiento, la memoria, la verosimilitud o la ambigüedad resuenan como un murmullo: suma de palabras, de sombras y de ruidos que a su vez, también se reflejan.

Esta exposición reúne una selección de obras que forman parte de esta Colección Fundación Mediterráneo depositada en el MACA. La muestra aglutina una serie de obras de distintos artistas que tienen en común el proceso de creación. Un proceso fragmentado, hecho a pedazos, muchas veces asimétrico y que deja ver la estructura de la obra, siempre con una sensación incómoda de desnudez o desprotegimiento.

Artistas que no ofrecen soluciones sino que cuestionan, y trasladan al espectador, los problemas de una realidad que viene configurándose de manera cada vez más compleja y fragmentaria, donde las ideologías han perdido vigencia y el discurso social, político o estético se ha vuelto incompleto, precario y, en multitud de ocasiones, caótico. Todo ello se pone de manifiesto en las obras de arte que aquí se exponen.