Hacia 1980 Juana Francés abandona la crítica social para adentrarse de nuevo en la abstracción evocando, con sutiles referencias, cometas y paisajes submarinos. Una especie de viaje, desde el fondo del mar hasta el cielo, con el círculo y el rectángulo como figuras geométricas esenciales. Son obras sobre papel en las que el movimiento y el color estallan en armonía lírica con clara vocación de trascendencia.

Este camino de plenitud y madurez quedará truncado definitivamente por la muerte de Pablo Serrano, su compañero, en el año 1985. Juana vuelve entonces a los lienzos de gran violencia gestual y carga matérica, oscuros y dramáticos espacios siderales donde se refleja el dolor y que se relacionan con las primeras pinturas informalistas de la artista alicantina.

Una de las líneas de investigación más importantes en la obra de Montserrat Soto es la reflexión sobre el arte a través de los espacios donde se muestra y alberga. En el año 1997 - en Silencios - la artista centra su atención en los almacenes de obras de arte de varios museos, los lugares donde el arte no se ve, donde el arte descansa. Posteriormente, Soto emprende durante cinco años el proyecto Paisaje Secreto, una serie de fotografías que recoge los interiores de un conjunto de casas de coleccionistas de arte contemporáneo en América y Europa. El arte se torna ahora en exclusivo, solo acceden a él los propietarios y sus invitados en la intimidad. En las salas del MACA podemos contemplar 13 de estas fotografías, pertenecientes a la Colección Telefónica.

Para llevar a cabo su proyecto, la artista consiguió colarse en estos hogares; espacios privados, inaccesibles pero cotidianos, y muy alejados de la sacralización que rodean a las obras de arte en los museos. Habitaciones, salones, comedores, despachos y hasta baños son los contenedores de obras artísticas, muchas de ellas de autores muy cotizados, cuyo objetivo en primer término es decorar estas estancias. Sin embargo, transforma lo privado en público y abre la puerta a un sinfín de aspectos conceptuales, simbólicos e incluso psicológicos, relacionados con el coleccionismo. 

Pintura, escultura, fotografía, objetos etnográficos o artes decorativas pueblan esta serie de fotografías de residencias anónimas a la espera de provocar en el espectador, que observa sorprendido y hasta atónito, todo tipo de sensaciones y preguntas: ¿Para quién se reúne semejante cantidad de objetos? ¿Cuál es el objetivo de poseer una colección? ¿Qué es lo que determina la selección de las compras? ¿Tiene siempre buen gusto un coleccionista…?

El arte como autorreferencia desde su trastienda más desconocida para el común de los mortales se convierte en una radiografía simbólica de los valores de la sociedad contemporánea. Y construye memoria que, a veces, es de todos.  
 

La Colección Arte Siglo XX fue donada por el artista alicantino Eusebio Sempere a la ciudad de Alicante para inaugurar el 5 de noviembre de 1977 el Museo de La Asegurada, uno de los primeros museos de arte contemporáneo de España. Hace ahora 40 años. Fundar un museo en plena transición democrática era un hecho político en sí mismo: lo de Sempere era una actitud y un convencimiento. Donar su colección privada fue consecuencia de un profundo compromiso con el arte contemporáneo. Un acto de fe extremadamente generoso que tal día convocó a las personalidades artísticas más importantes junto a un Sempere pletórico convencido de la trascendencia de su gesto.

Hoy, la Colección Arte Siglo XX constituye el pilar básico del MACA - Museo de Arte Contemporáneo de Alicante. Una colección excelente, con vocación internacional, coherente y eficaz, que guarda las mejores obras de los protagonistas de casi todas las tendencias artísticas del arte del siglo XX. Está compuesta por 177 obras de 117 artistas entre pinturas, esculturas, dibujos y obra gráfica que se han ido mostrando, a lo largo de la historia y por diversos motivos, de forma fragmentaria.

Nunca hasta ahora se había mostrado completa al mismo tiempo. Y este 40 aniversario es un buen motivo para ello. Ocupando la Planta Baja y la Planta Primera podemos descubrir la gran importancia de esta Colección Arte Siglo XX. Las 177 piezas, los 117 artistas con el mismo objetivo que su fundador: facilitar el acceso del público al arte contemporáneo.

La ciudad es uno de los símbolos más característicos de la sociedad moderna. Las ciudades son la punta de lanza de las experiencias más destacadas y de los comportamientos más audaces, el lugar de máximo desarrollo de las artes. Por ello, son muchos los artistas que tienen como elemento central de sus trabajos la vida en las ciudades, unas ciudades entendidas (a menudo) como un collage de multitud de recuerdos y vivencias discontinuas y fragmentadas, como un laberinto confuso en el que los habitantes se cruzan inmersos cada uno en sus propios pensamientos.

La idea central de esta exposición es mostrar obras que nos permitan conocer las múltiples visiones, los diferentes espacios y la gran cantidad de existencias humanas que han conformado la vida en las ciudades en el último siglo, a través de obras de la colección del IVAM. La institución guarda entre sus fondos la más amplia y completa visión que sobre este tema se puede encontrar en un museo español. 

Como tercera exposición de la serie Todo Paisaje es ficción se presenta la obra de Ángeles Marco, una de las principales figuras responsables de la renovación del panorama de la escultura española desde los años 80. Perteneció a esa generación que transformó la plástica escultórica y que se denominó Nueva Escultura Española junto a artistas como Juan Muñoz, Jaume Plensa, Susana Solano, Eva Lootz, Miquel Navarro, Cristina Iglesias, Txomin Badiola, Pello Irazu, Sergi Aguilar, etc.

El minimalismo, el constructivismo y el arte conceptual son algunas de las influencias que se rastrean en sus instalaciones y esculturas, agrupadas en series que abordan distintas metáforas y sobre las cuales la artista vuelve una y otra vez. Emplea preferentemente el hierro y ocasionalmente, otros materiales como el caucho, la cera o el cristal. Los sentimientos de soledad y angustia dan aliento a sus piezas e instalaciones, provistas de un particular sentido narrativo.

La serie Salto al vacío y El tránsito es una de las más representativas de la artista valenciana y define su carácter experimental. La artista adopta tratamientos y recursos de distintas técnicas, directamente trasvasadas del mundo de la ingeniería industrial al quehacer escultórico. Dominaba técnicamente el oficio para dedicarse a la investigación artística. Salto al vacío es la postura que Ángeles Marco adopta frente a la realidad. Su angustia es literalmente una sensación de infinita libertad en el espacio. Sus “saltos al vacío” son consecuencia de ese vértigo de la libertad. La angustia es la presencia continuada de la nada: el sudor frío de estar de pie al borde de una ventana, el gozoso terror de la caída.

El tránsito es el segundo tema recurrente de la artista. El paso de un lugar a otro, de un estadio a otro. Son imágenes de pasillos, puentes, escaleras, pasajes, callejones… Pero también el tránsito de un estado químico a otro o, incluso, el camuflaje que pretende hacer invisible una presencia. La transición como escalofrío, un movimiento de oscuridad a oscuridad.

Todo paisaje es ficción 2, es una propuesta de profundización en el tema del paisaje. Si esta primera selección ha tenido el mundo natural como referencia del paisaje, esta segunda edición quiere mostrar a través de una sola pieza y de un solo artista, Miquel Navarro, el mundo de lo urbano como construcción del paisaje contemporáneo.

Se trata de una de las ciudades más significativas del artista valenciano por la dimensión y presencia que adquiere este Espacio de batalla. Se presentó por primera vez en 2002 en la galería Marlborough de Nueva York con gran éxito de crítica y público. Era la primera exposición individual del artista en la capital neoyorkina y en ella quería rendir homenaje a la ciudad tras el brutal atentado de las Torres Gemelas del 11 de septiembre. El centro de la exhibición era esta instalación, Espacio de Batalla, compuesta por una serie de esculturas de aluminio y cinc de formas y tamaños que asemejan una fantástica ciudad en miniatura, mitad urbe, mitad cementerio. Navarro nos propone percibir la ciudad desde lo alto, a modo de travelín, en una escala que convierte al hombre en gigante.

La instalación, de quince metros de largo, siete de ancho, y dos de altura, está compuesta por varias series de figuras geométricas de pequeñas dimensiones, organizadas en forma de bloques de casas, que también podrían ser las lápidas pulidas y ordenadas en serie de un cementerio. Y se completa con algunos elementos de gran tamaño que semejan los rascacielos neoyorkinos. Un total aproximado de 2.500 piezas que, en rigurosa disposición, se extienden conformando pura creación poética entre arqueología y modernidad, una metáfora de la civilización destruida.

La representación del paisaje en la pintura constituye un género clásico que tiene su origen en la Holanda burguesa del siglo XVII gozando inmediatamente de éxito. Naturalezas educadas o dominadas por el hombre, marinas, panorámicas vedutas del settecento, paisajes sublimes del romanticismo, atormentados, soñados, existentes o reales… El paisaje ha sido una forma de manifestar la posición del hombre en el mundo. Se trata de un género tan imbricado en la tradición clásica que se revela como uno de los campos de investigación más fértiles y productivos del arte contemporáneo.
El paisaje no es la naturaleza o el lugar que se observa sino lo que se construye a partir de estos, una construcción cultural para la que es necesaria la interpretación. El paisaje se construye en el mismo momento que se observa. Solo existe a través de la mirada y el pensamiento. Y hay que observar tanto lo visible como lo invisible.

Además, lejos de aquella dicotomía antigua entre naturaleza y ciudad, hoy el territorio es híbrido, discontinuamente urbanizado, transformado por el hombre que adopta así una posición ante la naturaleza. Espacios intermedios, descampados, demolidos, reconstruidos, inertes, en los que es difícil escuchar el silencio. El debate teórico se ha cargado con nuevos significados, se ha subvertido. El enriquecimiento semántico del género se percibe en el interés de todos los artistas y todas las técnicas.

Todo Paisaje es ficción reúne una serie de obras que tienen en común reflexionar en torno al paisaje y su representación contemporánea. Una amplia selección de artistas que desde diferentes ópticas y a través de diversas técnicas han otorgado al paisaje un papel protagonista en sus obras. Pinturas, esculturas, dibujos, fotografías, instalaciones y vídeos conforman esta muestra en tanto que interpretamos de forma subjetiva el paisaje, mientras generamos conciencia social, preocupación por la intervención del hombre, descubrimos el pasado, hablamos del tiempo vivido, de las personas que habitaron, de la memoria del lugar… Todo ello mientras añoramos el paraíso perdido,

El conjunto de obras que integran la Colección CIRCA XX fue adquirido por el Gobierno de Aragón a su propietaria Pilar Citoler a finales del año 2013, mediante una fórmula mixta que incluía compra y donación. Desde entonces se asignó como parte del fondo estable de la colección del IAACC Pablo Serrano de Zaragoza para su custodia y exhibición. Un conjunto de 1200 obras que incluye pinturas, dibujos, obra gráfica, fotografía, escultura, instalaciones y vídeo, convertida en una de las colecciones de referencia en el panorama nacional e internacional. 

Esta selección de obras lleva por título Heterotopías, un neologismo acuñado en 1967 por el filósofo francés Michel Foucault, que construyó a partir de los vocablos griegos “heteros” (diferente) y “topos” (lugar), como denuncia del interés de la historia solo por el tiempo. El concepto de Heterotopía reivindica el mundo contemporáneo por excelencia, una época donde el espacio es heterogéneo, simultáneo, yuxtapuesto donde convive lo próximo y lo lejano, lo uno al lado de lo otro y lo disperso; donde encontramos esos “lugares otros” en los que los elementos repartidos a través del tiempo conforman un conjunto de relaciones, un mapa de redes y sinergias, un entrecruzamiento fatal del tiempo con el espacio. 

A través de conexiones transgeneracionales proponemos una lectura sin cronología. Solo para mirar. Artistas primeros vinculados con las vanguardias artísticas que buscan la esencia de las formas desterrando lo superfluo y retrocediendo lo andado hasta llegar al origen, al fundamento de las formas para ser testigos de las conjugaciones de lo negro y de las disipaciones de la transparencia. Otros artistas experimentan con el color y la geometría: la lógica formal y la tradición constructiva se conjuga con la computación y las nuevas tecnologías proponiendo juegos visuales, efectos ópticos concretos, dinámicos, tan virtuales como perceptibles sometidos a un ritmo frenético establecido por la repetición y la interacción de los colores. Y transformando la percepción, poniendo el énfasis tanto en aquello que se ve como en lo que se sugiere, artistas últimos anuncian entornos fríos y distantes sometidos al hecho mismo de ver o no ver, deslumbrados por el color o por su ausencia, atravesados por una luz cegadora cercana a la invisibilidad que construye un estado mental en permanente desenfoque, una atmósfera artificial que plasma la abstracción de la realidad. Las Heterotopías construidas a tiempo y espacio real son los lugares donde se cumplen las utopías. 

El MACA presenta la segunda exposición dentro del programa "Contexto vanguardias" con dos obras de Kurt Schwitters. Con este programa se trata de mantener un diálogo permanente entre las obras de la colección del IVAM pertenecientes a las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX y las obras de la Colección Arte Siglo XX, de forma que se establezcan lecturas complementarias, miradas transversales, apoyo y contexto para algunas piezas que, en comunicación con otras, fortalecen su lenguaje y mensaje y completar la visión de una época fundamental de la modernidad que transita por caminos entre la tradición y lo nuevo. Hacerlo en el MACA, en Alicante, junto a las mismas obras de la Colección Arte Siglo XX permitirá que el visitante pueda disfrutar de obras nunca vistas en la ciudad y son referentes de la historia del arte que forman parte de los excelentes fondos de la institución que diriges.

Esta segunda exposición está formada por un conjunto de dos obras de Kurt Schwitters, uno de los artistas más radicales del panorama artístico del siglo XX, siendo la continuación de la anterior “Contexto Vanguardias” y que convivirán en la primera sala del museo junto a sus contemporáneos Julio González, Pablo Gargallo o Juan Gris.

El artista

El artista alemán Kurt Schwitters (Hannover, 1887 – Ambleside, Reino Unido, 1948) fue uno de los principales y más influyentes protagonistas del movimiento dadá. En 1919 construyó sus primeros collages y assemblages con materiales de desecho, que denominaría Merz convirtiéndolos en símbolo de un mundo en ruinas. Realiza un arte multidisciplinar, libre de las convenciones artísticas tradicionales y Merz daría nombre a sus poemas, su revista, su teatro y sus collages o construcciones escultóricas.

Abandonó sus estudios de arquitectura en su ciudad natal para trasladarse a Dresde, donde visitó la Kunstakademie con el propósito de convertirse en pintor. Tras unos comienzos ligados al impresionismo y algo más tarde al expresionismo, en 1918 expuso sus primeras obras de estilo cubo-futurista en la galería Der Sturm de Berlín. Un año más tarde construyó sus primeros collages y assemblages con materiales de desecho, que denominaría Merz, nombre derivado de la mutilación fortuita de la palabra Kommerz, que había utilizado en uno de sus collages. Merz se convertiría en sinónimo del nuevo arte multidisciplinar que realizaría a partir de entonces, libre de las convenciones artísticas tradicionales y que daría nombre a sus poemas, su revista, su teatro y sus construcciones esculto-arquitectónicas (Merzbau). Él mismo definiría este proceso artístico como consecuencia del momento histórico en que le había tocado vivir: «La Gran Guerra ha terminado, en cierto modo el mundo está en ruinas, así pues, recojo sus fragmentos, construyo una nueva realidad».

Su obra fue prohibida por las autoridades nazis a su llegada al poder en 1933 e incluida en las listas de "arte degenerado". Al saber que era buscado por la Gestapo se exilió a Noruega en enero de 1937, dejando en Alemania a su esposa Helma. Tras la invasión nazi del país nórdico huyó en barco a Edinburgo. En el Reino Unido le consideraron como un enemigo extranjero y pasó por varios campos de internamiento, recalando finalmente en el Campo Hutchison de la Isla de Man. Una vez liberado, pasó por Londres y, finalizada la guerra, se trasladó al Distrito de los Lagos en el norte de Inglaterra. En octubre de 1946 se rompió una pierna tras una caída de la que nunca se recuperaría. Falleció en Kendal el 8 de enero de 1948; dos días después se le informaba por carta de que le había sido concedida la ciudadanía británica.

Espacios de resistencia reúne una serie de obras que tienen en común buscar espectadores críticos. Cuestionando la realidad social y política, la sociedad de consumo, los medios de comunicación, la publicidad, la ciudad, el espacio público y la presencia del poder y sus mecanismos de inclusión y exclusión social, estos artistas plantean obras incómodas, ácidas, provocativas… Una propuesta transversal donde el proceso de creación artística se convierte en la propia obra o que construye y deconstruye una realidad fragmentaria. 

A través de nuevos formatos, lenguajes, soportes y técnicas contemporáneas, video, fotografía, instalación, programas informáticos o incluso a través de la vieja pintura, las obras mostradas reclaman siempre un espectador activo y comprometido. Herederas de las prácticas conceptuales desarrolladas en España, especialmente en Cataluña y Andalucía en los años 60 y 70 y con una fuerte carga lingüística, estas obras dibujan un paisaje de transgresión de los comportamientos artísticos que llega a desmaterializar el arte o a construirlo con archivos, documentos, fragmentos de imágenes, objetos cotidianos, materiales pobres como el polvo o las colillas, cachivaches extraños que adquieren otros significados.

El arte funciona así como resistencia. Los artistas contemplan su proceso creativo solo desde la trascendencia social, desde el enfrentamiento al poder, pero también desde la paradoja, el humor o la ironía. El arte como denuncia pero también como forma de cambiar el mundo.La práctica artística se convierte en la única arma de supervivencia.