La Asamblea General de Naciones Unidas, mediante la resolución 78/282, adoptada el 23 de mayo de 2024, declaró el 11 de julio como Día Internacional de Recuerdo del Genocidio de Srebrenica subrayando la importancia de la memoria y la educación como herramientas para generar conciencia, combatir la negación de esta tragedia y evitar que crímenes de esta naturaleza puedan volver a repetirse. 

En torno a esa fecha, el Museum of Contemporary Art Ars Aevi de Sarajevo propone a museos de todo el mundo participar en esta conmemoración con la exposición de la fotografía Madre de Srebrenica, del artista Almin Zrno tomada en 2001. Se trata de una imagen de gran fuerza simbólica, que condensa el silencio, el duelo y la dignidad; una obra que convoca a la introspección y a la compasión, y que da testimonio de horrores que exceden el lenguaje, convirtiéndose en símbolo del dolor.

La exposición de esta fotografía junto al óleo Montserrat criant n.º 2, del artista Julio González pintado entre 1936-1940, evidencia una sorprendente afinidad entre ambas composiciones. Julio González, a través de la figura de una campesina catalana, a la que llamó Montserrat, representa el sufrimiento de la población civil durante la guerra civil española.

Las dos imágenes comparten una misma fuerza expresiva: casi una misma mujer, madre universal, con un pañuelo anudado bajo la barbilla; la boca abierta o cerrada en un grito sordo; los ojos cerrados; el rostro surcado por arrugas profundas que registran el dolor extremo. El grito no se oye, pero se intuye con claridad. Las dos obras fueron concebidas en un mismo contexto de guerra, con varias décadas de diferencia, otorgando al arte no solo la posibilidad del disfrute estético, sino la de actuar como testimonio y como acto de resistencia frente al olvido. 
 

El MACA - Museo de Arte Contemporáneo de Alicante ha invitado en esta ocasión a la obra del Equipo Crónica titulada Las Meninas en el Chalet de 1969 perteneciente a la Fundación Chirivella Soriano de Valencia que podrá disfrutarse desde el día 1 de febrero hasta el 28 de abril de 2013. Esta espléndida obra de la Fundación Chirivella Soriano Las Meninas en el Chalet de 1969 encaja perfectamente junto a la obra del Equipo Crónica perteneciente a la Colección Arte Siglo XX titulada Autorretrato en Palacio pintada solo un año después, en 1970.

Una reflexión sobre el tema de la pintura clásica que sirve para situar a los personajes de Velázquez- en el caso de Las Meninas en el Chalet-, a la infanta Margarita de Austria, a la dama de honor de la infanta Isabel de Velasco, a la enana Mari Bárbola, al aposentador real José Nieto y al perro, en un chalet de los 50-60, momento en el que surge el fenómeno turístico y se pone de moda el chalet para veranear. El espacio exterior de esta representación corresponde a un anuncio publicitario de la tienda valenciana «Hogar completo»-especializada en sillones, mecedoras y tumbonas plegables de verano.

Autorretrato en Palacio sitúa la escena en el espacio original del cuadro de Las Meninas conservando los personajes del aposentador real José Nieto y al Perro condecorado con la cruz de Santiago, pero en este caso distorsionado, hasta ocupar un gigantesco volumen. Los dos artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes, se autorretratan en primer término como en la obra original se colocan los personajes principales de Las Meninas. El cuadro no está terminado, ya que aparece una zona en blanco, vacía y mil goterones de pintura y ellos aparecen caracterizados como dos pintores de brocha gorda que en un descanso de su trabajo, se paran a mirarnos porque nosotros nos hemos situado en la escena y nos invitan a reflexionar sobre la obra que están llevando a cabo.

La colaboración entre instituciones como el MACA y la Fundación Chirivella Soriano, en este caso coordinadas a través del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante ha permitido la llegada de esta obra del Equipo Crónica. Un programa de exposiciones que tendrá continuidad a lo largo del año.

Equipo Crónica. (1964-1981)

Formado por los artistas Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo (aunque este pronto se desligó del grupo) el grupo reaccionó contra la corriente informalista dominante en el panorama artístico español del momento. Su trabajo colectivo se desarrolló durante los últimos diez años del franquismo y la transición democrática, hasta 1981.

Equipo Crónica realiza una obra decididamente figurativa muy próxima a la estética del pop art. Aprovechando recursos procedentes de la crónica periodística, el lenguaje de los mass media, el cómic, la publicidad o la propia historia del arte, su pintura analiza críticamente la situación social y política de España y lanza una mirada irónica sobre los mitos ubicando situaciones y personajes bien conocidos en contextos diferentes contribuyendo así a la desmitificación de las imágenes y cuestionando la propia función del arte.

El MACA - Museo de Arte Contemporáneo de Alicante ha invitado en esta ocasión a la obra del Equipo Crónica titulada Las Meninas en el Chalet de 1969 perteneciente a la Fundación Chirivella Soriano de Valencia que podrá disfrutarse desde el día 1 de febrero hasta el 28 de abril de 2013.

La colaboración entre instituciones como el MACA y la Fundación Chirivella Soriano, en este caso coordinadas a través del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante ha permitido la llegada de esta obra del Equipo Crónica. Un programa de exposiciones que tendrá continuidad a lo largo del año.

Esta es la cuarta exposición dentro de “Contexto Vanguardia” que busca mantener un diálogo permanente entre las obras de la colección del IVAM pertenecientes a las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX y las obras de la Colección Arte Siglo XX del MACA, de forma que se establezcan lecturas complementarias, apoyo y contexto para algunas piezas que, en comunicación con otras, fortalecen su lenguaje, permitiendo así que el visitante pueda disfrutar de artistas no representados en el MACA al tiempo que se completa la visión de las vanguardias. El objetivo es crear contenido y compartir conocimiento. «Abstraction ou Nature Morte», «Abstraction» (1933) y «Abstraction en longitude» (1926-1928) son los tres óleos sobre lienzo del artista Luis Fernández que se muestran junto a obras de Julio González, Pablo Gargallo y Juan Gris, entre otros. Luis Fernández (Oviedo, España, 1900- París, Francia, 1973) fue uno de los artistas españoles de la llamada Escuela de París. Llegó allí en 1924 y entabló amistad con Picasso y Julio González, así como con la abstracción geométrica que le haría integrarse en el movimiento Abstraction-Création. Pintor preocupado por el oficio y el concepto artesanal de la obra formuló su pensamiento en diversos textos escritos en los años 30, su época más analítica y experimental. Reflexionó acerca del color y su función en la pintura, sobre la composición, el formato y el sentido profundo de la abstracción que para él poseía resonancias metafísicas y simbólicas. Su pintura -decía- era una “representación inconsciente del orden que el hombre constata en el universo”.

Gracias a una temprana vocación pictórica, Sempere inició en 1941 su etapa de formación en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, ciudad donde se traslada su familia después de la guerra civil, tras haber perdido su fábrica de juguetes de Onil. 
 

Sempere había terminado meses antes sus estudios de bachillerato y asistido a clases nocturnas en la Escuela de Artes y Oficios lo que le había dado algunos conocimientos y práctica en el dibujo. Sus seis años de formación académica fueron anodinos y frustrantes. La educación artística en España durante aquellos años de posguerra era deprimente, a los malos profesores mediocres como artistas, autoritarios y despóticos en sus clases, se unía un extremo conservadurismo en los contenidos y continuas referencias “sorollistas” como único ejemplo válido a seguir, tal y como recuerda el artista una y otra vez. 
 

En la Escuela conoció al padre Alfons Roig, profesor de la asignatura Liturgia y cultura cristiana, que hablaba de Kandinsky a los alumnos de San Carlos y era acaso, el único conocedor y entusiasta defensor de la modernidad y las corrientes vanguardistas. Eusebio acaba sus estudios en 1946 pero permanece en San Carlos hasta 1948 con objeto de cursar la especialidad de grabado calcográfico con el profesor Ernesto Furió, otro de los pocos profesores que consiguió ganarse el respeto de sus alumnos. Sempere aprendió la técnica del aguafuerte y la punta seca y sus grabados muestran un excepcional dominio del grafismo, trabajando la textura y el volumen y equilibrando con soltura la luz y la oscuridad. 
 

Sempere estudió modelado, dibujo, anatomía, perspectiva cómica y procedimientos pictóricos, adquiriendo una sólida formación en el oficio artístico que se demuestra en las obras conservadas de aquellos años de formación. A finales de 1948, el SEU (Sindicato de Estudiantes Universitarios) le concede una beca para ampliar estudios en París. Allí se convertirá en artista-

Alborada de Pablo Palazuelo vino a compartir el espacio junto a los constructivistas de la Colección Arte Siglo XX y estableció diálogo junto a la obra de Palazuelo que se guarda en la Colección, Sub-rosa XII.

En la pintura de Palazuelo se observa un intento, a veces inalcanzable, de representar la lógica del azar. Esto —esta voluntad estructural, arquitectónica, científica, falsamente impersonal— hace que sus cuadros aparezcan como auténticos manifiestos acerca de cómo se materializa el lenguaje abstracto. Así, la alborada a la que se refiere el título, una composición musical que celebra el amanecer une dos aspectos significativos en la obra del artista: la luz, entendida como una sucesión de planos cromáticos, una variación óptica, y la idea de seriación, representada mediante unas formas que configuran una especie de secuencia rítmica, un movimiento que vibra y se desplaza horizontalmente a través de la superficie del cuadro.

Elena Asins (Madrid, 1940 - Azpíroz, Navarra, 2015) es una de las artistas más radicales y rigurosas del panorama artístico español. Renovadora del lenguaje plástico, Asins reúne la tradición constructiva de la vanguardia del siglo XX con la computación y la teoría de la información, siendo considerada una de las pioneras del arte asistido por ordenador en España. Una artista genial, provocativa en silencio, que construye desde la estructura, desde la norma y la lógica matemática, una obra que se genera a sí misma para volverse, a veces, casi invisible.

A través, fundamentalmente, de las obras legadas por la artista al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, esta exposición propone un recorrido por las investigaciones persistentes llevadas a cabo por la artista y sus resultados plásticos: una obra final de aparente sencillez en sus cálculos, pero hermética lingüísticamente. Fiel a sí misma y fruto de su renuncia a color, las obras de Elena Asins se leen primero a través de la palabra y después, de la estructura y la línea. Sin olvidar nunca el tempo: una música interna que recorre toda su producción artística secuenciándola. Asins ha recurrido en sus trabajos a un amplio abanico de formatos y medios desde la poesía concreta al vídeo, pasando por el dibujo, la escultura o la instalación, caracterizados siempre por el rigor compositivo y la depuración formal.

Ligada a algunos de los proyectos más renovadores de la historia reciente del arte español, como la Cooperativa de Producción Artística y Artesana o el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, ponemos de manifiesto el encuentro allí con Eusebio Sempere y Abel Martín, su amistad y la coincidiencia de sus investigaciones. Y mostraremos por primera vez una obra fundamental de Elena Asins: los Cantos de Orfeo, una serie de poemas visuales fechados en 1970 y conservados por Eusebio Sempere que se han convertido en una de las piezas más importantes de la historia de la poesía experimental española.

Al revisar la historia desde la perspectiva del presente, concretamente las aportaciones y la importancia de los libros producidos por artistas a partir de los años sesenta y setenta, al contemplarlos desde la situación actual, se produce una actualización sorprendente de la aparición y reconocimiento de las prácticas artísticas Fluxus, conceptuales o minimalistas, pero, sobre todo, de la producción de libros y publicaciones de artista durante dicho periodo.

Fue a principios de la década de 1960, la misma década en que se formuló el arte conceptual, cuando surgió un enfoque realmente diferente en lo relativo a la concepción de los libros de artista, así como a su realización y a la forma de distribución. En ese periodo, el libro ocupó un lugar central en la producción de relevantes artistas contemporáneos, siendo a su vez motivo de teorías críticas sobre la autoría (o, mejor, la falta de autoría), la eliminación en el libro del texto o la imagen y, no menos importante, sobre el impacto de las nuevas tecnologías en la producción masiva de las obras de arte.

Los artistas que decidieron trabajar con el libro como soporte plástico, asumieron que sus publicaciones, además de como producto artístico, funcionarían como instrumentos puramente comunicativos producidos mediante sistemas más económicos y serían fáciles de conseguir. Se lanzaron a trabajar con las técnicas y procesos de impresión entonces más avanzados, la reproducción de fotografía en blanco y negro por medio del offset o la Xerox, que les permitía realizar ediciones numerosas de forma rápida y a bajo coste. Y, según estos criterios, se alejaron radicalmente de las producciones anteriores, los llamados livres d'artiste o libros ilustrados, así como de cualquiera de los otros compromisos de artistas que utilizaron el libro en la primera mitad del siglo xx.

Escala de grises reúne una serie de obras de la Colección Fundación Caja Mediterráneo, depositada en este Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, que tienen en común reflexionar sobre la materia y su presencia física mientras abandonan conscientemente el color y a veces, la forma. El color en la historia del arte es tan importante como su negación y la declaración consciente de su ausencia ha sido igualmente pensamiento revolucionario. Aunque la elección del color siempre es un proceso químico, su significado ha variado según la época. El blanco y el negro. La negación del color o la suma de todos. Dos valores cromáticos que dan lugar entre ellos, a una escala infinita de grados de luminosidad. De la luz a la oscuridad: la Escala de Grises. Un sistema ordenado y gradual de porcentaje de negro sobre blanco que lleva al gris claro, medio y oscuro, y a toda una gama interminable de grises intermedios.

Desde diferentes ópticas y a través de diversas técnicas, los artistas expuestos han otorgado al material un papel sustancial en el debate estético y conceptual de sus obras. Han elegido texturas muy variadas: Acero, plomo, titanio, cristal, hierro, aluminio, uralita, espejo o cerámica y grafito, papel, lino o madera. La materia se hace consciente y su presencia se reivindica. Del mismo modo que el sonido. Las propiedades físicas de cada elemento convierten esculturas, fotografías, filmaciones, pinturas y dibujos en obras complejas que reflejan la relación tan intensa que se ha producido entre el artista y la materia. 

Muestra de sutiles equilibrios cromáticos, de rendijas de claridad por donde se escapa el tiempo mientras suenan en la sala, literalmente, los ecos de nuestra presencia.

Isidro Blasco visita el MACA cuando viene a Alicante y siempre encuentra la obra de su padre al pie de la escalera, enmarcada entre los arcos de la vieja Casa de la Asegurada. La pieza excepcional de Arcadio Blasco, Recinto para un asesinato legal de 1971 es una obra emblemática de la Colección Arte Siglo XX. Se trata de una escultura en hierro y cerámica que envuelve un espacio de represión ideológica y resonancias políticas.

Atrapado por ese espacio y por el diálogo que establece la obra de Arcadio con la arquitectura del museo, Isidro necesita regresar a él y repensarlo, en una especie de viaje nostálgico pero obsesivo. En una de esas visitas se conforma el proyecto: el artista analiza y dimensiona el hueco, dibuja y fotografía, sube y baja la escalera, se asoma y mide secciones. Isidro Blasco ha decidido destruir el lugar y construir un nuevo espacio para impedir que caiga en el olvido. Y así surge esta instalación site-specific.

Solo a dos voces, es una obra compleja entre la arquitectura, la fotografía y la escultura. Una instalación en inestable equilibrio que despliega de forma tridimensional el mismo espacio que ocupa en el museo. Un espacio dentro del mismo espacio. La fotografía cohesiona arquitectónicamente los elementos aunque la estructura se ha fragmentado y se han destruido los ángulos de 90 grados. Con una gran economía de medios: unas planchas de contrachapado de madera, algunos tornillos y gatos de carpintero y unas fotografías, el artista ha construido un artificio irracional que reflexiona sobre el problema de la representación y ofrece un legado de fragmentos, una analogía perfecta para atender a los afectos on-over-inside los Blasco que funciona a su vez como reveladora de la imagen del mundo contemporáneo.

Esta exposición muestra una selección de obras de la Colección Fundación Mediterráneo que está depositada en este Museo de Arte Contemporáneo de Alicante gracias al convenio suscrito entre el Ayuntamiento de Alicante y la Fundación Mediterráneo.

La Colección Fundación Mediterráneo está compuesta por 212 piezas y recorre la obra de 125 artistas, los nombres más imprescindibles del panorama artístico español contemporáneo. Abarca un arco cronológico que recorre desde la transición democrática hasta nuestros días: un periodo artístico en España que corresponde a los últimos 40 años, tan generoso, cargado de ilusión, de energía, de desencanto, de derroche y de ingenuidad… pero también de reflexión, de denuncia, de compromiso, de aventura… Un periodo en el que conviven varias generaciones de artistas de forma normalizada como nunca antes había ocurrido, enriqueciéndose mutuamente, aprendiendo los más jóvenes de los indiscutibles maestros, y redescubriéndose en los más jóvenes la persistencia de lo imprescindible.