La exposición ha sido ampliada hasta el 10 de enero de 2027.

Del color en el arte (Coloramas) tiene su origen en “Lo tienes que ver. La autonomía del color en el arte abstracto”, muestra celebrada en la Fundación Juan March de Madrid en 2025 y es resultado de la colaboración y apoyo entre ambas instituciones. Todas las obras de arte pertenecen a las colecciones del MACA y recorren 75 años, desde 1949 hasta 2025. La selección de artistas, estilos, técnicas y materiales refleja tanto la complejidad de los lenguajes contemporáneos como la riqueza y variedad de las colecciones de este museo, tanto en propiedad como en depósito.

Junto a las obras, la muestra ofrece dos espacios singulares. El primero, antes de entrar en la sala, es un pequeño gabinete de curiosidades donde descubrir el origen del color a través de minerales, plantas tintóreas, pigmentos, tintes naturales y sus aplicaciones en textiles. Se suman a ello muestras de pigmentos sintéticos e industriales, testimonios de invenciones —como la patente del color en tubos—, y también documentos que apuntan a la impregnación ideológica, política y social del color. Los materiales que se muestran en este gabinete son fruto de la colaboración con la Real Fábrica de Tapices Santa Bárbara de Madrid y a la generosidad de Ana Roquero, experta en tintes y coleccionista de estas pequeñas joyas.

Tras la sala blanca donde se muestran las obras y separado visualmente de ella se encuentra Coloramas. Una experiencia expansiva en un espacio que recuerda los antiguos diaporamas, las cámaras oscuras o los zoótropos, y en el que un relato audiovisual narra la fascinante historia del color y su progresión, primero gradual y después de ruptura, hacia la autonomía. Coloramas se despliega en escenas que exploran el color como fenómeno físico, construcción perceptiva y lenguaje simbólico.

Además, la muestra cuenta con un espacio educativo, mezcla de reflexión y juego, “Umbral cromático”, donde experimentar con la mezcla de colores por medio de los dos sistemas que se conocen, por sustracción o por adición en función de la luz o la ausencia de ella.

En la historia del arte, la importancia del color ha sido discutida e impugnada con frecuencia. Fue la aparición del arte abstracto a principios del siglo XX la que liberó el color de los dictados de la representación y de la primacía de la línea. Por primera vez, el color pudo existir por su propia presencia en la obra, sin estar sujeto a modelos narrativos ni a otros elementos de valor gráfico: dejó de ser adjetivo para convertirse en sustantivo. Esta exposición es una buena muestra de ello.

Esta es una selección de obra gráfica que investiga la composición geométrica. Desde lo cinético a lo constructivo. Desde el rigor de la línea a la investigación de la forma. Artistas imprescindibles, recorriendo los sugerentes territorios del entramado artístico del siglo XX. Las primeras obras se sitúan en el París de los años 50 donde las formas geométricas se convierten en protagonistas de un arte con apariencia industrial preocupado por la investigación sobre la luz, los efectos ópticos y el movimiento: es el op art o el arte cinético. Obras de arte abiertas, ni únicas ni definitivas, que implican de forma novedosa al espectador.

Del mismo modo, dentro de una tendencia racionalista, concreta y normativa, una serie de artistas tanto en España como en Europa y América experimentan en torno al constructivismo. Profundamente reflexivas, sus obras siempre construidas con formas y volúmenes esenciales dialogan una y otra vez sobre el espacio, el movimiento y el equilibrio. Atendiendo a la interacción del color o a su ausencia. La geometría es una actitud ante la vida: el análisis riguroso de la forma y la búsqueda de la esencia en las composiciones permiten construir una imagen objetiva del mundo que, sin embargo, nunca está exenta de poesía.

Las obras pertenecen fundamentalmente a la Colección Arte Siglo XX en diálogo con obras de la Colección Michael Jenkins y Javier Romero también del MACA así como otras obras en depósito en este museo, profundizando así en la tendencia racionalista del propio Sempere siempre con el rigor de su obra como propósito y como línea de investigación esencial.

Soledad Sevilla [Esperando a Sempere] es una exposición especial en la trayectoria de la artista: un proyecto que cierra un círculo vital y creativo y que, al mismo tiempo, resulta imprescindible para el MACA, museo cuyos orígenes están íntimamente ligados a la colección del artista alicantino Eusebio Sempere.
 

Sevilla y Sempere se conocieron en la década de 1960. Entre ambos surgió una admiración mutua y “una profunda y entrañable amistad”, al tiempo que coincidían en algunos de los proyectos más relevantes en torno a la abstracción geométrica del contexto artístico español. Un interés común por la línea, una práctica rigurosa de la composición y una deriva hacia lo sensitivo —hacia una geometría más blanda y emotiva— conectan la obra de Sempere y Sevilla. Esta afinidad poética con el artista alicantino atraviesa toda la carrera de Sevilla: desde los inicios hasta su producción más reciente, como las series pintadas desde el verano de 2022 concebidas como inspiración y homenaje a su amigo. Sevilla encuentra en la luz y la línea, como Sempere, una conmoción sensible, una quietud rigurosa y deliberada.
 

Partiendo de las piezas de los años 70 que conservamos en las colecciones del museo, la exposición centra su atención en las series más recientes de la artista. Son pinturas de gran formato en las que la vibración de la línea, como filamento o hilo, genera superficies que se expanden y se recomponen continuamente. Estas obras envuelven al espectador e invitan a experimentar la pintura no solo desde la mirada, sino también de forma performativa, desde el cuerpo que comparte el espacio con ella. La contemplación se convierte así, en una experiencia física que desata emociones íntimas. Sevilla consigue evidenciar el espacio total como una unidad y, dentro de él, desplegar una amplia gama de registros y sutiles variaciones. La geometría, lejos de ser fría o distante, adquiere aquí un carácter íntimo e introspectivo.
 

Artista rigurosa y disciplinada, Sevilla trabaja guiada por la intuición… Como ella misma afirma sus tramas son “fondo para el pensamiento y el arte pasa por encima como una especie de reflejo”. Lo describe perfectamente el propio Sempere: “¿Para qué hablar de pintura si ustedes la están viendo?”

Pablo Picasso recorre casi un siglo de arte y a su lado, una serie imprescindible de artistas transforman radicalmente la historia del arte mientras desdibujan las fronteras entre la figuración y la abstracción. Muchos de ellos están aquí representados.

La Colección Arte Siglo XX guarda entre sus fondos una gran cantidad de obras sobre papel entre dibujos, grabados, litografías y serigrafías que completan una extensa nómina de artistas imprescindibles, recorriendo los territorios más sugerentes del entramado artístico del siglo pasado. 
Y es así porque Eusebio Sempere y su compañero Abel Martín, después de experimentar en París variadas técnicas de impresión, introducen en España la serigrafía artística realizando bellísimas estampaciones de sus propias obras y de sus amigos artistas. Y están profundamente convencidos de que la obra gráfica merece el status de «original» y de que sitúa el arte contemporáneo al alcance de una mayoría de público, democratizándolo.

Con esa convicción estética y política, Sempere admiró siempre la figura de Pablo Picasso. Adquirió el grabado de Picasso perteneciente a la Suite Vollard, Fernando Zóbel le regaló el Retrato de Rimbaud y compró El Entierro del Conde de Orgaz, obras que aquí se muestran. De la misma manera que participó en el Homenaje a Picasso que tuvo lugar en la celebración del 90 cumpleaños del artista en noviembre de 1971, sufriendo por ello detención, encarcelamiento y una cuantiosa multa económica. 

Desde 2017 la Conselleria de Educació, Cultura i Esport mantiene una línea de adquisición de obras de arte con el doble propósito de dinamizar el mercado artístico contemporáneo, a la vez que reunir una colección de obras representativas de la actualidad artística en nuestra Comunitat. Distintas generaciones y sensibilidades que abordan el proceso de creación artística ofreciendo nuevas perspectivas sobre nuestro mundo más cercano.

Una muestra de tres piezas de tres artistas: Paloma Navares, Teresa Lanceta y Amparo Tormo se pueden disfrutar en el MACA.

La noche más corta es una exposición colectiva, que surge como propuesta colaborativa entre ambas galerías y el museo, abriendo un diálogo en torno a la idea de transformación en los procesos creativos, artísticos y vitales.

Como un esfuerzo por dinamizar nuevas formas de producción y exposición del arte, la muestra se realiza de manera transversal y concomitante entre las tres sedes de las galerías en Madrid y Alicante y el MACA, con obras expuestas de manera orgánica entre ellas, tomando criterios conceptuales y estéticos por encima de la representación de las galerías como un ejercicio real de sinergia institucional.

La noche más corta profundiza sobre la transformación como un proceso de resignificación que promueve la regeneración, transmutación cambio y renovación, considerando los duros tempos que corren y tratando de referencia a las tradiciones de San Juan, tiempo en el que tiene lugar un cambio de estación cuya tradición consiste en dar paso a lo nuevo, renovado y transformado.

Obertura. Más allá de los mapas es el título de la primera exposición de la Colección Michael Jenkins y Javier Romero en el MACA. Incluye cuarenta y nueve artistas de diferentes generaciones y nacionalidades de entre los ciento sesenta y dos que integran la colección, con trabajos que abarcan desde finales de los sesenta hasta la actualidad, buscando un equilibrio entre figuras históricas o artistas de larga trayectoria y artistas más jóvenes. 

Obertura porque da inicio y sirve de introducción a una colección más extensa que intenta eliminar no solo las jerarquías geográficas, si no también jerarquías de disciplinas y medios artísticos, de fronteras generacionales, de género o identidad, de trabajo individual o en grupo, o jerarquías que puedan aplicarse a la diversidad de planteamientos formales o conceptuales en el arte para ofrecer una visión que va más allá de los mapas, más allá de cualquier tipo de frontera artística preestablecida y hermética. Abriendo la mirada.

La selección propuesta refleja la variedad de temáticas y narraciones que los artistas han venido explorando en el contexto social y político, con el fin de estimular el pensamiento crítico y ofrecer una imagen más nítida y fiel de la realidad. Queríamos resaltar también la elevada presencia de artistas mujeres en la colección y constituyen la mitad de los artistas incluidos en esta presentación. También hemos seleccionado varios artistas de color entre el destacado grupo cuyos trabajos se hallan representados en la colección. Por último, era importante destacar la presencia de artistas alicantinos, para lo cual se ha incluido el trabajo de diez de ellos con el fin de crear una lectura que aspirando a lo global entiende como fundamental lo local, lo más próximo.

Así, tratando de eliminar fronteras cronológicas y territoriales, proponemos que en esta primera instalación convivan artistas de generaciones y marcos geográficos distintos y que se construyan diálogos cruzados entre las obras seleccionadas. Sirva de presentación.
 

Es el artista alicantino más conocido inter­nacionalmente y uno de los representantes españoles más genuinos de la abstracción geométrica y de las tendencias ópticas y ciné­ticas. Su obra es el fruto de un continuo y riguroso trabajo sobre la geometría, el movimiento y la ilusión óptica, en el que además desarrolla, desde la composición y la forma, una poética lírica de singular belleza.

La Colección Municipal Eusebio Sempere está constituida por las obras del artista alicantino que el Ayuntamiento de Alicante ha adquirido desde 1978 hasta hoy. Son 575 piezas entre dibujos, pinturas, esculturas y obra gráfica Cronológicamente este conjunto de obras abarca un periodo muy extenso de la producción de Sempere: desde los primeros años 40 (dibujos y óleos) a las primeras obras modernas que el artista realizó en París en los años 50 (una amplia selección de acuarelas y gouaches), siguiendo con las pinturas sobre tabla de los años 60 tan características de su producción y esculturas en hierro y acero cromado, típicas de su trabajo en los 70. Asimismo, incluye una importante selección de serigrafías y litografías que recoge lo más singular de su obra gráfica. Se trata de una colección que recorre la evolución creativa de una de las personalidades más interesantes del panorama artístico español de la segunda mitad del siglo XX. Es —además—, un auténtico homenaje a Sempere, protagonista de uno de los actos más generosos para con la ciudad de Alicante: la donación de su colección de arte… toda una vida.

De los esenciales a los imprescindibles

La Colección Arte Siglo XX donada por Eusebio Sempere a la ciudad de Alicante es el pilar de este nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Alicante. Está compuesta por 177 piezas entre esculturas, pinturas, dibujos y obra gráfica, fechadas entre los años veinte hasta los primeros ochenta y es el fruto de una rigurosísima labor de selección y adquisición de obras de los más grandes artistas de la modernidad y las vanguardias del pasado siglo.

La Colección atesora auténticas piezas maestras que representan los principales nombres y movimientos del arte español, donde alcanza sus más altas cimas. Con decidida vocación internacional, su creador, Eusebio Sempere, deja patente su gran sensibilidad, visión de futuro y sobre todo, su voluntad de difundir los valores estéticos del arte del siglo XX.

Algunos de los más importantes creadores de nuestro siglo están representados aquí: Picasso, Braque, Julio González, Juan Gris, Gargallo, Delaunay, Arp, Cocteau, Chagall, Giacometti, Miró, Dalí, Max Ernst, Calder, Bacon, Matta, Fautrier, Clavé, Tàpies, Chillida, Millares, Saura, Vasarely, Agam, Soto, Rosenquist, Oldenburg, Rauschenberg, Adami, Dine… entre otros. Pero es en el ámbito propio del arte español del siglo XX donde encontramos las mejores obras de la Colección y una más extensa relación de tendencias, movimientos y grupos significativos del arte de vanguardia en nuestro país con obras de Alberto Sánchez, Ferrant, Palazuelo, Guerrero, Viola, Feito, Rivera, Canogar, Juana Francés, Pablo Serrano, Alfaro, Guinovart, Ràfols Casamada, Hernández Pijuán, Farreras, Manrique, Mompó, Torner, Rueda, Zóbel, Lucio Muñoz, Equipo Crónica, Julio López Hernández o Genovés, entre otros…

Una impresionante muestra de pinturas, esculturas, obras mixtas adosadas, dibujos, grabados, litografías y serigrafías viene a completar la extensa nómina de artistas imprescindibles, recorriendo los territorios más sugerentes del entramado artístico del siglo pasado.

Actualmente la pieza se encuentro en préstamo.

El MACA cuenta desde hoy con la pieza de Arcadio Blasco «Objeto-idea» con motivo del décimo aniversario de su fallecimiento. La obra ha sido depositada por un periodo de cinco años por José Piqueras, y se expone desde hoy en la planta baja del museo. El artista

Arcadi Blasco Pastor (Mutxamel, Alicante, 1928 – Majadahonda, Madrid, 2013) fue un pintor que en la segunda mitad de la década de los 50 encuentra en la cerámica el material idóneo para la expresión plástica. Su formación artística como pintor tiene lugar en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, donde llegó a los 19 años, terminando el curso de profesorado en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 1953. Ese mismo año se traslada a Italia, en donde reside por dos años en la Academia de España en Roma, allí tiene su primer contacto con la cerámica a través de la obra de Nino Caruso y de Carlo Zauli.

Al regresar a España, realiza sus primeras experiencias cerámicas y se interesa por la cerámica artesanal, lo que lleva a trabajar con el alfarero de Cuenca, Pedro Mercedes- con el que intercambia saberes-, y en otros talleres de cerámica popular de Agost y Triana (Cerámica Montalbán). En 1955 instala su primer taller en la nave- cedida por el arquitecto Luis Feduchi- el edificio a mitad construir del Museo de América situado en la Ciudad Universitaria de Madrid, que compartió con José Luis Sánchez, Jacqueline Canivet y Carmen Perujo; allí realizaría, entre otras obras, muchas vidrieras, mosaicos y murales cerámicos destinados, en gran parte, a ornamentar las iglesias que se construyeron por encargo del Instituto de Colonización de los Pueblos de España, colaborando con los arquitectos José Luis Fernández del Amo, Ignacio Gárate, Luis Cubillo, García Benito, Luis Feduchi, Fernández Alba y Fisac, entre otros. El inmenso espacio de este lugar de trabajo para la creatividad también fue utilizado ocasionalmente por pintores como José Vento, Hernández Mompó, Rafael Canogar, Antonio Saura, etc., que tenían necesidad de realizar obras de gran formato y no disponían de espacio suficiente en sus estudios. Este taller provisional llegó a convertirse en un lugar de encuentro de artistas de la joven vanguardia madrileña.

Precisamente, una de las características más destacables de la trayectoria como ceramista de Arcadio Blasco es su participación directa, entre los años 1945 y 1974, en el nuevo acontecer del arte contemporáneo, pues fue – como ha señalado acertadamente Carmen González-, "el único artista cerámico que por una serie de «casualidades»"- como él mismo define- participa en el campo de las artes plásticas, y que ha realizado gran cantidad de exposiciones nacionales e internacionales en los foros del arte contemporáneo llevando siempre obra cerámica.

Después de una primera aproximación directa al quehacer cerámico, que consistió en emplear la superficie de recipientes como soporte de su vocabulario pictórico – realizando obras con cierta carga decorativa-, Arcadio Blasco se sentirá fuertemente atraído por las cualidades y expresividad de esta materia, y como consecuencia nacerán sus Cuadros cerámicos (1956-64).

En todos sus ciclos de trabajo posteriores: Objetos idea (1969), Propuestas ornamentales (1969-74), Arquitecturas y Muros para defenderse del miedo (1970-86), Ruinas arqueológicas (1984-86), Ruedas de Molino para comulgar (1985). Homenajes (1992-95), las arcillas de distintas tonalidades, los engobes, vidriados – menos frecuentes y muy matizados-, y las aplicaciones de óxidos colorantes de tonos terrosos serán – muchas veces sometidos a una cocción reductora-, los materiales protagonistas de sus obras.

En aquel torbellino de búsquedas en que se convirtieron los años 50 para los artistas españoles más inconformistas, Acadio Blasco indaga en las posibilidades de la materia cerámica y encuentra en la arcilla cocida el medio idóneo con el que realizar en volumen sus últimas investigaciones pictóricas, que desembocarán – en cerámica- a finales de los años 60 en relieves y esculturas de compromiso social y crítica política.

Con su regreso en 1985 a su pueblo de nacimiento (Mutxamel) y la instalación de su taller en una casa de campo de la partida de Bonalba, Alicante recobró un artista en plena madurez que hizo un esfuerzo por activar la cultura alicantina a través de distintas iniciativas, algunas relacionadas con la cerámica y su enseñanza.

Algunos de estos “Objetos-idea” de finales de los sesenta se mostraron en la exposición de Arcadio Blasco en el Pabellón Español de la XXXV Bienal de Venecia en junio de 1970, y fueron la antesala de sus “Propuestas ornamentales para el diálogo” y de las “Propuestas para torturar”, series a las que pertenecen obras fundamentales de su producción artística de principios de los setenta como el “Recinto para un asesinato legal” de la colección del MACA.

La cerámica es protagonista y los relieves comienzan a envolverse sobre sí mismos, a querer ocultarse, adquiriendo un aspecto más escultórico e incluso arquitectónico con la inserción de huecos practicables. Estas obras están trabajadas con minuciosidad artesanal mediante un conjunto de recursos muy personales: toques e impresiones a modo de escritura cuneiforme y repetitiva; hileras de bolas o perlas de arcilla añadidas y de diferentes tamaños; cuentas de collar o radiaciones como si fuesen piezas de orfebrería de antiguas culturas, refinadas y bárbaras a un tiempo, con todo tipo de rugosidades y relieves donde parece hervir aún la materia.